martes, 26 de febrero de 2013

Convocatoria Teatro Nacional Cervantes








El
 Teatro Nacional Cervantes seleccionará espectáculos de teatro, títeres, mimo y danza-teatro de todas las provincias (excepto Ciudad de Buenos Aires) para conformar la programación del Ciclo Teatro del País a realizarse en sus tres salas entre el 28 de noviembre y el 22 de diciembre de 2013. Este ciclo propone ofrecer al público de Buenos Aires, con entrada libre y gratuita, la diversidad de la producción teatral nacional.
CONDICIONES DE PARTICIPACIÓN
Los elencos o grupos que resulten seleccionados contarán con la cobertura de alojamiento y comida, además del pago de honorarios por cada función. Deberán gestionar en sus localidades y/o provincias el traslado de ida y vuelta de elenco y escenografía.
Los interesados en participar deben enviar a la Dirección General del Teatro Nacional Cervantes, (Av. Córdoba 1155,  5º Piso (1055) CABA), el siguiente material:

1.                               Un (1) DVD de la obra filmada con cámara fija.


2.                               Un (1) CD con los datos y ficha del espectáculo, cantidad de integrantes(nombres completos, DNI y roles que desempeñan) necesidades técnicas, fotos y material de prensa.


3.                               Una nota impresa y firmada en la que consten: nombre del espectáculo y los datos del responsable del mismo (domicilio, DNI, CUIT, teléfono y dirección de correo electrónico).


4.                               Una nota de aceptación de las condiciones de participación en la selección.


La fecha de cierre para remitir los materiales es el 10 de mayo de 2013, en caso de envío postal se contemplará esa fecha en el sello de remito. El 16 de agosto se darán a conocer los espectáculos seleccionados.


Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín - FLAMMA FLAMMA - Mauricio Wainrot


TEATRO SAN MARTÍN

FLAMMA FLAMMA

El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín repone, 
en la Sala Martín Coronado, la obra de Mauricio Wainrot
con música de Nicholas Lens

El jueves 28 de febrero a las 14.30 el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín –que dirige Mauricio Wainrot– repondrá, en la Sala Martín Coronado del Teatro San Martín (Avenida Corrientes 1530), la nueva coreografía de Mauricio Wainrot, Flamma Flamma. La música es de Nicholas Lens -Flamma Flamma - Réquiem del fuego (1994)-, la escenografía y el vestuario son de Graciela Galán, la iluminación es de Eli Sirlin y Alejandro Le Roux, la puesta de video de Marcelo Manente y Pablo Yurrebaso, y la imagen de video de Martín Gómez.

Las funciones se realizarán los jueves 28 de febrero, 7 y 14 de marzo a las 14.30, los sábados 2, 9 y 16 y los domingos 3, 10 y 17 de marzo a las 17.
Última función: domingo 17.

Platea $80.- Pullman: $60.-
Jueves, día popular, función matinée: entrada general: $25.-.

Flamma Flamma
En 2001, luego del estreno de Las 8 estaciones en Amberes por el Ballet Real de Bélgica, Carlos Gallardo, escenógrafo y vestuarista de la obra, y mi compañero de vida, encontró en una casa de música un CD del oratorio Flamma Flamma, y lo compró para que lo escuchásemos juntos. Al principio sentí que Flamma Flamma deambulaba por diferentes estilos, a veces cercanos a Orff y su Carmina Burana; otras veces la obra se convertía, audazmente, en una música contemporánea con sonidos increíbles, graves, tonales y atonales, y donde también lo popular se mezclaba con la música clásica occidental. El rock no estaba ausente en esta diversidad de estilos como tampoco la música étnica, y otras con fuerte influencia oriental. En fin, Flamma Flamma, de 75 minutos de duración, era de alguna manera muy ecléctica, y justamente por eso me pareció muy interesante para crear una nueva obra integral. Además de ser transgresor en géneros, el oratorio contaba con un texto cantado en latín, por seis voces maravillosas, y poseía fantásticos coros al estilo de las voces búlgaras, con ritmos cambiantes, y percusiones en numerosos pasajes. Todo esto daba cuenta en mí de la gran envergadura de esta obra musical, y realmente agradecí a Carlos haberla hallado.

Flamma Flamma estuvo esperando en mi casa -y en mi cabeza-, por mas de una década, hasta que este proyecto que tantas veces estuvimos a punto de hacer se hizo realidad. Carlos Gallardo amaba esta música y solía trabajar en su taller de artista plástico escuchándola como compañía en sus horas de creación. En muchas ocasiones hablamos de cómo iríamos a concretar este trabajo, tanto que hasta comenzó a bocetar algunos trajes, que quedaron perdidos cuando él falleció en 2008. Flamma Flamma seguiría esperando su momento…

Evidentemente 2012 era el año de dar vida a Flamma Flamma, y por fortuna, hablando con la escenógrafa y vestuarista Graciela Galán, con quien desde hacía tiempo estábamos pergeñando un proyecto en conjunto, le comenté de mi interés en hacer esta obra con el Ballet Contemporáneo del San Martín. Le encantó la idea y de inmediato nos pusimos a trabajar en el tema.

Escribió el crítico Fred Flaxman en 1997: “Flamma Flamma audazmente sintetiza el concepto occidental espiritual de una misa de réquiem por los difuntos, con ritos y ceremonias de la muerte de las culturas no occidentales. Su elemento unificador es la idea del Fuego -el Fuego como herramienta de vida, como una metáfora de la pasión, como el agente más poderoso de transformación en la naturaleza, como una manera de deshacerse de los difuntos.       
La mística del fuego capturó la imaginación de Nicholas Lens, quien llegó a su conclusión filosófica acerca de la vida y la muerte escribiendo: ‘Para mí lo único que hace soportable la vida es el conocimiento de que llegará a su fin, porque aceptar esto es la única manera de disfrutarla libremente y sin condiciones’.”

Mas allá de estos comentarios de Lens y Flaxman, y de los textos en latín escritos por Herman Pontocarero para Flamma Flamma, lo más importante es que la obra musical me interesó muchísimo desde el primer momento como un todo, y llegó a mi mente y tocó de manera muy fuerte mis sentimientos y emociones, como para decidir crear una versión coreográfica que hoy es un hecho.
Flamma Flamma puede parecer una obra abstracta, porque no cuenta una historia, pero no siento que sea así: hay un hilo conductor que me ha llevado a unir a cada personaje con cada situación, y ese es el Fuego, el que cada uno tiene como Fuego creador, que no está personificado en ningún bailarín, pero está presente en casi todas las escenas y en cada uno de los personajes que las danzan. Es ese fuego purificador que Borges dibujó magistralmente en “Las ruinas circulares”, y que nos tiene unidos a todos en un mismo devenir.

Mauricio Wainrot


Mauricio Wainrot

Director Artístico del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, Mauricio Wainrot se desempeñó como Coreógrafo Permanente del Royal Ballet of Flanders de Bélgica y como Director Artístico de Les Ballets Jazz de Montreal. Se formó como bailarín en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón de Buenos Aires e integró como tal el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín desde sus inicios.
En 1985, siendo director artístico del Ballet, fue invitado por el Ballet de la Opera de Göteborg de Suecia para presentar un programa con las obras Anne Frank, Sinfonía de los Salmos y Tres danzas argentinas. Inició así una carrera internacional que lo llevó a colaborar con cuarenta y ocho compañías de ballet y danza contemporánea europeas, asiáticas y americanas, entre las que figuran el Ballet Real de Suecia, Winnipeg Royal Ballet de Canadá, Singapore Dance Theatre, English National Ballet, Ballet de la Ópera de Bordeaux, Ballet du Capitole de Tolouse, Ballet del Teatro San Carlo de Nápoles, The Cincinnati Ballet, The Juilliard Dance Ensemble de Nueva York, Ballet Real de Wallonie, Hannover Opera Ballet, Bat Dor Dance Company of Israel, Ballet Nacional Chileno,
Ballet de Santiago de Chile, Compañía Nacional de México, Ballet Florida, Hubbard Street Dance Company, Ballet Argentino, Ballet SODRE de Montevideo, y Ballet del Teatro Colón de Buenos Aires.
Creó, entre otras obras, Carmina Burana, Un tranvía llamado Deseo, El Mesías, Las 8 estaciones, La consagración de la primavera, Movimiento perpetuo, Looking Through Glass, Voces del silencio, Chopin número 1, Ahora y entonces, From far away, Libertango, Fiesta, Reflejos, Beyond Memory, Firebird, Canciones del caminante, Luz distante, Medea, Travesías y La tempestad.
Mauricio Wainrot recibió las siguientes distinciones argentinas: Premio Clarín 2006 por La Tempestad, Premio María Ruanova 2002 (Consejo Argentino de la Danza), Premio Trinidad Guevara 2000, Premio ACE (Asociación Cronistas del Espectáculo) 2000 a la mejor coreografía por Un tranvía llamado Deseo, Premio Teatro del Mundo 1999-2000 como mejor coreógrafo por El Mesías, y Premio Konex de Coreografía 1999. Sus obras fueron galardonadas en Rusia, donde en 2003 fue finalista del Gran Premio Internacional Benois de la danse por Luz distante; en Chile, donde fue distinguido con el Premio APES (Asociación de Periodistas Especializados) a la mejor Producción de Danza de los años 1991, 1994, 1998 y 1999; y en Estados Unidos, en dos oportunidades, con el Choo San Goh Choreographic Award, en 1993-1994 y 1998-1999.
En junio de 2004 Mauricio Wainrot fue nombrado Director Artístico del Swiss International Coaching Project for Choreographers 2004 (SiWiC), un programa de entrenamiento para coreógrafos jóvenes que se realizó en Zurich, Suiza.También en 2004 Wainrot estrenó como coreógrafo y director cinematográfico Lacrymosa, uno de los diez cortos de la película 18-J.
En 2007 fue jurado de dos de los premios de danza más destacados del mundo, el ya citado Benois de la Danse, que se entrega en Moscú y el de la New York International Ballet Competition; y en 2010, del Prix de Lausanne en Suiza, y nuevamente de la NYIBC. Asimismo recibió el Laurel de Plata a la Personalidad del Año, otorgado por el Rotary Club de Buenos Aires, y el Premio a la Trayectoria del Fondo Nacional de las Artes. En 2008 recibió del Rey de Bélgica, Alberto II, la condecoración civil de Chevalier de l’ Ordre de Léopold (Caballero de la Orden de Leopoldo), que fue entregada por el Embajador de Bélgica en Argentina, Koenraad Rouvroy, en reconocimiento a su trayectoria en el mundo del ballet y, más particularmente, a su destacada participación como coreógrafo y creador de numerosas obras ante el Ballet Real de Flanders y el Ballet Real de Wallonie.
En 2012 presentó su versión coreográfica de Carmen en el Teatro Colón, interpretado por su Ballet Estable.
                                                                                                                    
Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín
El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, que actualmente dirige Mauricio Wainrot, fue creado en 1977. Es decir que en 2007 la compañía celebró treinta años de actividad ininterrumpida como cuerpo artístico permanente. Hecho trascendente para una compañía argentina de estas características en tanto significa aprovechar los valores de la continuidad, la experiencia y el crecimiento sostenido, que le han permitido consolidar un nivel artístico de excelencia tanto en nuestro país como en el extranjero. Para muchos, el Ballet Contemporáneo es en la actualidad la compañía de danza más destacada de Argentina.
La compañía se inició cuando Kive Staiff, Director General y Artístico del Teatro San Martín por aquellos años, convocó en 1977 a la bailarina y coreógrafa Ana María Stekelman para ponerla al frente de lo que en ese momento se denominó Grupo de Danza Contemporánea del Teatro Municipal General San Martín. Posteriormente, en 1988, la compañía adoptó el nombre definitivo con el que hoy se la conoce.
En distintos períodos la dirigieron también Norma Binaghi, Lisu Brodsky y Alejandro Cervera, Oscar Araiz, Andrea Chinetti y el propio Mauricio Wainrot, en dos ocasiones, la segunda de las cuales comenzó en el año 1999.
El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín ha realizado numerosas giras nacionales e internacionales presentándose entre otros países en la ex Unión Soviética, España, Canadá, Brasil, Uruguay y Estados Unidos. Y se ha visto beneficiado por la concurrencia de prestigiosos coreógrafos argentinos y extranjeros que han montado obras para la compañía: Ana Itelman, Renate Schottelius, Ana María Stekelman, Oscar Araiz, Alejandro Cervera
Gustavo Lesgart, Roxana Grinstein, Noemí Lapzeson, Roberto Galván, Margarita Bali, Susana Tambutti, Walter Cammertoni, Miguel Robles, Carlos Casella, Diana Szeinblum, Carlos Trunsky, Diana Theocaridis, Mariana Estévez y Mauricio Wainrot, entre los argentinos, y Mark Godden, Ginette Laurin, Nils Christe, John Wisman, Robert North, Jennifer Müller, David Parsons, Marc Ribaud, Jean-Claude Gallotta, Serge Bennathan, Richard Wherlock, Ton Wiggers y Vasco Wellenkamp, entre los extranjeros. Recientemente, en diciembre de 2011, el Ballet Contemporáneo realizó una gira por distintas ciudades de España.  

Los bailarines son Victoria Balanza, Lucía Bargados, Nicolás Berrueta, Melisa Buchelli, Facundo Bustamante, Carolina Capriati, Matías De Cruz, Flavia Dilorenzo, Lautaro Dolz, Luciano Figueroa, Juan José Hair, Laura Higa, Matías Mancilla, Gerardo Marturano, Alexis Mirenda, Benjamín Parada, Boris Pereyra, Silvina Pérez, Diego Poblete, Eva Prediger, Rubén Rodríguez, Sol Rourich, Ivana Santaella, Matías Santander, Agostina Scarafía, Vanesa Turelli, Ivana Villada, Margarita Wolf, Fernando Zavickis y Erika Zimmermann. Los bailarines aprendices son Ana Trejo Játiva y Nicolás Miranda. Los asistentes coreográficos son Miguel Elías y Elizabeth Rodríguez y la Directora Asociada es Andrea Chinetti.

jueves, 21 de febrero de 2013

CONVOCATORIA PARA “LOS ÁSPIDES DE CLEOPATRA”




Se convoca a actores y actrices a las audiciones para participar en el proyecto del Laboratorio Iberoamericano de Teatro Clásico


La Compañía Nacional de Teatro Clásico de España se une al Complejo Teatral de Buenos Aires, en el marco de un proyecto sobre la transformación del verso español en Latinoamérica a través del tiempo. El objetivo es desarrollar un Taller experimental de verso y actuación, cuyo resultado formará parte de la programación 2013 del CTBA. La obra sobre la que se trabajará será Los áspides de Cleopatra de Francisco de Rojas Zorrilla.
La coordinación del Laboratorio estará a cargo de Guillermo Heras y contará con la participación del especialista en verso español Gabriel Garbisu, el coreógrafo argentino Carlos Casella, y la asesora de casting Norma Angeleri.
El Taller-Laboratorio tendrá una semana intensiva de duración en el mes de abril y está destinado a jóvenes actores de hasta 35 años. De esta experiencia se seleccionarán para ser becados a 8 actores que participarán del período de ensayos del Laboratorio-Montaje (a realizarse desde el 16 de julio al 6 de septiembre) de cara al estreno planteado para el 7 de septiembre.
El resultado del Laboratorio-Montaje será presentado en el Complejo Teatral de Buenos Aires, y será luego programado en enero de 2014 en el Teatro Pavón en Madrid.


CONVOCATORIA
Se convoca a actores y actrices a participar del Taller- Laboratorio Los áspides de Cleopatra.

Fechas de la convocatoria: Del 13 febrero al 7 de marzo.

La presentación a la convocatoria se realizará vía mail, enviando los requisitos solicitados a:  laboratorioiberoamericano@complejoteatral.gob.ar. Los seleccionados para el Taller-Laboratorio se darán a conocer el 21 de marzo en la web del Complejo Teatral: www.complejoteatral.gob.ar

PÓSTUMOS.


TEATRO REGIO

PÓSTUMOS.
UN SHOW FILOSÓFICO SOBRE
LA VIDA Y LA MUERTE

la obra de José María Muscari

El jueves 21 de febrero a las 20.30 se estreno en el Teatro Regio (Avenida Córdoba 6056) Póstumos. Un show filosófico sobre la vida y la muerte, escrita y dirigida por José María Muscari. El elenco está integrado por Hilda Bernard, Edda Díaz, Nelly Prince, Gogó Rojo, Erika Wallner, Luisa Albinoni, Ricardo Bauleo, Tito Mendoza, Max Berliner y Pablo Rinaldi. La asistencia artística es de Carlos Tkizian, la apuntadora es Tanya Barbieri, el video es de Martín García Garabal, la música y el entrenamiento vocal son de Mauro García Barbé, la iluminación es de Eli Sirlin, el vestuario de Renata Schussheim, y la escenografía de Jorge Ferrari.


Las funciones se realizarán de jueves a sábados a las 20.30 y los domingos a las 19.30.
Platea: $ 60. Pullman y Palcos Altos: $40. Jueves, día popular, entrada general: $35.

Póstumos

Póstumos es un espectáculo divertido, pero no es una comedia.
Póstumos es un espectáculo doloroso pero no es tragedia alguna.
Póstumos es un show pero carece de frivolidad.
Póstumos es un espectáculo angelado y dedicado a su gran figura ausente, Ethel Rojo.

¿Póstumos es una espera perdida?
En el limbo, mezcla de cielo e infierno, nueve actores de nuestra cultura popular se hacen preguntas sobre la vida, la muerte, el más allá y la reencarnación.
Póstumos es un espectáculo filosófico con aspecto de show emotivo y divertido.
En Póstumos sus nueve estrellas cumplen el sueño agazapado de toda su vida. Es así, en ese escenario extraterrenal hay canciones, hay coreografías, hay poesías, hay extractos de grandes clásicos, y también hay impronta de varieté.

Pero Póstumos no es un rejunte.
Es simplemente una ensalada gourmet con ingredientes añejos, que con el tiempo transcurrido resulta que ahora poseen un mejor sabor.

Póstumos es el pretexto de Muscari para darse el gusto de trabajar con esos actores y actrices que siempre amó desde chico y, ahora ya adulto, resulta que están más vivos, intensos y enérgicos que nunca.

Póstumos es la primera vez de muchos de estos grandes actores en el Complejo Teatral de Buenos Aires
Póstumos es un pedazo de nuestra cultura vuelto entretenimiento.

Póstumos es un gran homenaje al compromiso y la labor cumplida de grandes figuras de todos los tiempos de nuestro teatro, cine y televisión.


El autor y director
José María Muscari nació en Buenos Aires en 1976. A los 12 años comenzó a estudiar teatro motivado inicialmente por el deseo de ser actor. Desde esa edad se formó en este campo y debutó a los 16 años en el espectáculo Necesitamos oxígeno (de su autoría) en el recordado Parakultural, pasando por el Centro Cultural Ricardo Rojas y el Centro Cultural Recoleta.
A los 18 años, hizo su primera experiencia piloto como dramaturgo y director de un espectáculo de intertextualidad poético llamado Criaturas de las sombras. También a esa edad, ingresó a la Escuela Municipal de Arte Dramático, de donde es egresado, recibiendo el título de actor municipal.
Sus docentes fueron muy diversos (Marta Serrano, Ciro Zorzoli, Mauricio Kartun, Roberto Perinelli, Diego Cazabat, Tony Célico e Isabel Pereyra, entre otros, dentro de la E.M.A.D, y fuera de ella, Horacio Bustamante, Alejandra Ramos, Marta Silva, Juan Carlos Gené, Ricardo Bartis, Rubén Szuchmacher y Lorenzo Quinteros, entre otros). Paralelamente también se formó en la danza contemporánea con Andrea Fernández, Andrea Servera y Sandra Gasparini, entre otros.
Su segundo montaje fue Marchita como el día y, posterior a ése, Mujeres de carne podrida, espectáculo que generó un gran impacto en la calle Corrientes. Lo siguieron Pornografía emocional, Pulgarza (en el mítico Ave Porco), y luego la incursión en el teatro comercial con Desangradas en Glamour (con Ana Acosta, Sandra Ballesteros, Carola Reyna, Florencia Peña, Marta Bianchi y Julieta Ortega) y Pareja Abierta (con Daniel Fanego y Ana Acosta), en una versión libre de la obra de Dario Fo.
Su espectáculo Grasa obtuvo la Beca de la Fundación Antorchas, y fue convocado para inaugurar el teatro Abasto Social Club.
Se asoció al dramaturgo Bernardo Cappa para los montajes de Derechas y Belleza Cruda, una instalación dramática protagonizada por Julieta Ortega para el Festival de Verano en la Ciudad Cultural Konex.
Estrenó un espectáculo controversial titulado Catch, lucha en el barro y sexo entre chicas, que fue visto por más de 40.000 personas y se representó con dos elencos paralelos y un montaje en Santiago de Chile.
También convocado por la Fundación Konex, adaptó y dirigió una versión de Electra de Sófocles que tituló Electra-shock (protagonizada por Carolina Fal), en donde revisitó el mito y se apropió con su mirada del género de la tragedia griega.
Además dirigió Shangay  (ganador del premio Estrella de Mar en la ciudad de Mar del Plata), Piel de chancho, protagonizado por Maria Aurelia Bisutti  (ternada a los Premios Ace) y Sensibilidad, una mirada impiadosa y antojadiza de la salud pública argentina.
Dirigió un espectáculo con el grupo La Cochera, de Córdoba, convocado por Paco Giménez, titulado Kagaret.
Asimismo estrenó Cotillón en Santa Fe, trabajo que realizó con actores de esa provincia, ganador del certamen regional y presentado en 2007 en la Fiesta Nacional del Teatro en La Rioja. Con esta obra viajó a España para representar a la Argentina. Creó también Dame Morbo, espectáculo de humor sobre el género stand-up.
En el medio televisivo, dirigió una ficción en Canal 7 titulada Mujeres elefantes, en conjunto con el creador cinematográfico Adrián Israel Caetano. Además ideó y dirigió una ficción erótica para el canal internacional Playboy, sobre el universo del circo, titulada Circo Rojo, protagonizada por Edda Bustamante.
Como actor interpretó Crudo, un unipersonal sobre su vida, bajo la autoría y dirección de Mariela Asensio. También actuó en Ciudad como botín de René Pollesch en el Centro Cultural de la Cooperación, con dirección de Luciano Cáceres, y en Auténtico, un espectáculo creado para subir a escena con sus mejores amigos.
Debutó como actor en el circuito comercial con Pirañas de David Mamet, junto a Gerardo Romano y Carolina Papaleo.
Entre las obras que dirigió en los últimos años figuran 3 mitades (de autoría propia), protagonizada por Moria Casan, Sofía Gala y Mario Pasik; Vidas privadas, adaptación de la obra de Noel Coward, protagonizada por Georgina Barbarrosa y Miguel Ángel Rodríguez; 8 mujeres; El anatomista, sobre la novela de Federico Andahazi, protagonizada por Alejandro Awada y Antonio Grimau; Escoria, un espectáculo de autoría propia donde recuperó figuras de la TV de antaño, en el Teatro del Pueblo; En la cama, de su autoría, protagonizada por Gerardo Romano, Mónica Ayos, Viviana Saccone y Walter Quiroz; Cash, también de su autoría, con Ronnie Arias, Norma Pons, Belén Blanco y Gustavo Garzón; y Feizbuk, una obra sobre la red social con 7 elencos paralelos.
En el CTBA presentó en 2007 Fetiche, en el Teatro Sarmiento, en el marco del ciclo Biodrama, sobre la vida de la fisicoculturista Cristina Musumeci, protagonizada por Hilda Bernard, María Fiorentino, Edda Bustamante y elenco.
Hace dos años tiene su propio programa de radio, Muscari vivo, en la radio de la Universidad de Buenos Aires. En televisión participó de Medios locos, Maltratadas, Sábado show, Showmatch y Guita fácil (a estrenarse).
Dicta clases de teatro (dio entre otros, un seminario de actuación y dramaturgia, invitado especialmente por la Academia de Arte Dramático Silvio D'amico de Roma y la Casa Italolatinoamericana), recibió numerosos premios en diversos rubros y montó varios de sus espectáculos en países como Italia, Perú, Venezuela, Chile y Brasil. 
Actualmente protagoniza en teatro Los Grimaldi y tiene su programa de entrevistas inclasificables, Muy Muscari, emitido por la señal de TV Ciudad Abierta. 






Delicioso Paraiso



¿Comedia, drama, realidad social o un calor que no deja pensar?

Delicioso Paraiso
De Alejandra Rubio



Pueblo chico, infierno grande. Una familia, cuatro hermanas. Tres de ellas viven en el aburrimiento y laopresion de un pueblo que las ahoga. La tia Dina vive con ellas. Solo Magdalena logro irse. La madremurio hace ya muchos años. El padre acaba de morir hace tres dias. Todas preparan el funeral que aun no se pudo realizar porque en el pueblo se quedaron sin feretros.


Actúan:
Alejandro Alvarez es Difunto Padre
Meme Mateo es Ana
Victoria Carambat es Mirna
Paula Lemme es Marta
Goly Turilli es Magdalena
Maitina De Marco es Tía Dina

Escenografía: Maira Revollo
Vestuario: Maira Revollo
Luces: Diego Saggiorato
Asistencia de escenografía y vestuario: Mariela Retaco
Diseño gráfico: Franco Verdoia
Asistencia de dirección: Verónica Roux
Producción ejecutiva: Mónica Benavidez
Coordinación de producción: Romina Chepe

Dirección: Alejandra Rubio

Este espectáculo fue realizado con el apoyo de PROTEATRO


Funciones: Jueves 21 hs. Tel: 4865-0014
Localidades: $ 50.-
Teatro del Abasto - Humahuaca 3549 C.A.B.A.

Ese no es el problema, de Marcelo Birmajer - en El Tinglado Teatro


- Re-Estreno: sábado 23 de febrero -  

ESE NO ES EL PROBLEMA
de Marcelo Birmajer

En El Tinglado Teatro, la primera obra teatral del reconocido y premiado escritor


Con las actuaciones de Graciela Stefani, Julio Feld y Marcos Montes y dirigida por Virginia Lombardo, el sábado 23 de febrero a las 21 hs volverá a escena en El Tinglado Teatro –Mario Bravo 948-, la primera obra teatral de Marcelo Birmajer: “Ese no es el problema”.

Esta deliciosa obra teatral de Birmajer es una hilarante comedia donde la amistad, el amor y el sexo circulan en el encuentro de tres compañeros de otra época, el día en que a uno de ellos lo deja su mujer y pide ayuda.

El sexo en la amistad, los celos, los extraños comportamientos de los humanos, las insólitas relaciones que armamos a lo largo de los años, nuclean al protagonista, a su mejor amiga y a un íntimo amigo que hace mucho que no ven y viene a modificarlos de manera insospechada.

Todo sucede en una cama. Las ricas, dramáticas y ridículas situaciones se van desarrollando a lo largo de la pieza; lo que comienza con humor y erotismo, deviene en suspenso, thriller romántico, policial negro, para volver al humor y al erotismo.

Dice Virginia Lombardo sobre “Ese no es el problema”: “El autor, con su inteligente propuesta, nos sumerge en un mundo donde podemos reírnos de nosotros mismos y donde corroboramos que nuestros peores males son moneda corriente. Un texto encantador, una teatralidad sugestiva, para contar que “todas nuestras desdichas provienen de la búsqueda de la felicidad”.

Marcelo Birmajer reflexiona sobre su obra: “Desde su aparición sobre la Tierra, el hombre ha buscado la felicidad. Las mujeres también. Hemos sido capaces de domesticar a los animales, dominar la ley de gravedad; de enviar la información completa de un planeta a otro, en menos de un instante. Pero la felicidad nos sigue siendo tan esquiva como a Adan y Eva. No la hemos capturado como a un mamut, no la hemos domesticado como a un perro, no hemos sido capaces de transmitirla como ondas etéreas. Cada generación, desde el primer hombre hasta nuestros días, ha buscado una solución para los problemas del amor y la vida cotidiana; y al no hallarla, en lugar de reconocer su incapacidad, se ha consolado con el placebo de decirse: "Ese no es el problema". Esta obra trata de contar, en una hora, las disparatadas soluciones que hemos tratado de buscarles a problemas que desconocemos. Pero no es la historia de la humanidad; apenas la historia de un hombre y de una mujer, y todo lo demás también.”


FICHA TÉCNICA
Autor: Marcelo Birmajer
Intérpretes: Graciela Stefani, Julio Feld, Marcos Montes
Música: Sergio Vainikoff
Escenografía: Alejandro Mateo
Iluminación: Jorge Merzari
Vestuario: Silvia Giudice
Diseño físico: Federico Howard
Producción: Marlene Nordlinger, Candela Vinardi y Nathalie Katz
Gráfica y fotografía: Jimena Salvatierra
Asistente: Martin Otaño
Dirección: Virginia Lombardo

Ese no es el problema
de Marcelo Birmajer

Re-estreno: 23 de febrero de 2013
Sábados 21 hs. El Tinglado Teatro

Mario Bravo 948 | Tel. 4863-1188 | $ 100



lunes, 11 de febrero de 2013

Sol de noche de Cristina Escofet, abre la Temporada 2013




Ingrid Pelicori y Rita Terranova volverán a ser 
Fina y Feli, en esta poética puesta de Francisco Javier


Con el reestreno de un espectáculo que ha recibido elogio unánime de crítica y público, elTeatro Nacional Cervantes
 inicia el viernes 8 de febrero su Temporada 2013. Sol de noche, de Cristina Escofet con dirección de Francisco Javier, protagonizada por Ingrid Pelicori y Rita Terranova a quienes acompañan Pablo Arias y Emma Ledo, vuelve a escena en la Sala Luisa Vehil del TNC.
El trabajo impecable de estas consagradas actrices permite que el texto fluya con la poesía con que Escofet lo escribió. Inspirada en el universo de las islas del Delta, la autora escribió esta obra que se instala en el realismo mágico. “Si usted nació o vivió en un pueblo –cuenta Escofet sabe de qué hablo cuando digo: horizonte fantástico. Aburrimiento excitante. Los pueblos son exactamente esos lugares donde lo imposible sucede siempre. Donde el tiempo del presente no alcanza a conjugar el pasado del recuerdo. Fina y Feli, bien hubieran podido ser mis tías. O quizás sí lo fueron. Porque hubo en mi infancia mujeres que se les parecieron…”, Cristina Escofet se refiere así a sus personajes y agrega: “… se me presentaron instaladas claramente en una antigua casa de río… en ese tiempo detenido y eterno de los años 50…”. Un río muy familiar para Escofet que nació en el pueblo pampeano de Caleufú (“otro río” en lenguaje mapuche) y vivió los años de su infancia en San Pedro junto al Paraná, y después en una casa, “Caleufú”, en el Delta. En Sol de noche vuelven a estar presentes los mundos femeninos, como en muchas de las obras de esta mujer que además de escritora, dramaturga y guionista, es una gran investigadora en temas de género.
Francisco Javier que ronda los 90 años y acredita una extensa trayectoria, expresó en las funciones de la Temporada 2012 su alegría y satisfacción por haber trabajado con este equipo de excepcionales mujeres y también por haber conseguido trabajar con Escofet para insertar entre los cuadros de la obra, una escena de El jardín de los cerezos. “Es una brevísima situación dramática –cuenta Javier- que se pierde en la totalidad de la obra de Chejov y nadie parece recordarla, pero gravitó siempre en mi vida de hombre de teatro como un rasgo de la genialidad del escritor y siempre me propuse decirlo en un espectáculo”.
Sol de noche tiene diseño de sonido de Federico Mizrahi, de iluminación de Fernando Díaz, y de vestuario y escenografía de Carlos Di Pasquo, nominado, por este trabajo, al premio Florencio Sánchez en el rubro Vestuario. La asistencia de dirección es de Marcelo Mendez y la producción del TNC de Lucero Margulis.

El público podrá verla en la Sala Luisa Vehil viernes y sábados a las 19.00 horas ydomingos a las 18.30 horas. Se informa además que en las funciones del 8, 9, 10 y 15 de febrero, el papel de Emma Ledo será interpretado por la actriz Ángela Ragno