domingo, 17 de junio de 2012

La Comida


“LA COMIDA” 
PROYECTO DRAMATURGO-DIRECTORES

La obra de Newton Moreno dirigida por Cibele Forjaz (Brasil)
se estrena en junio en el Teatro  del Abasto, continuando con el  proyecto que reúne a dramaturgo-directores extranjeros y artistas locales   


En el marco del Proyecto Dramaturgo-directores, el domingo 17 de junio a las 18 se estrenará, en el Teatro del Abasto (Humahuaca 3549), La comida de Newton Moreno, dirigida por Cibele Forjaz (Brasil). El elenco está integrado por Carolina Tejeda, José Mehrez y Alfredo Urquiza. La música es de Federico Marrale, la asistencia de dirección es de Ana Sánchez, la producción de Norma Montenegro y Kike Gómez, la iluminación de Ricardo Sica, y la escenografía y el vestuario de Pepe Uría.

La comida es una producción Asociada del C.T.B.A con el Teatro del Abasto, dentro de los actos del Xº aniversario de la sala.
La gestión del Proyecto Dramaturgo-directores es de Ariela Mancke y la coordinación de producción es de Mariángeles Zamblera.

La Comida - Ensayos dramáticos sobre canibalismo es un texto creado en el Workshop de  Dramaturgia del Royal Court Theatre  entre 2003 y 2005 por Newton Moreno.


Las funciones se ofrecerán los jueves a las 19.30, los sábados a las 19 y los domingos a las 18.
Entradas: $ 60.- (Habrá descuentos para jubilados y estudiantes). Reservas: (0)11 4865 0014.





Teatro del Abasto
El Teatro del Abasto se inauguró  el 21 de mayo de 2002, apadrinado por Agustín Alezzo y Norma Aleandro.  Fue unos de los primeros en el barrio del Abasto, zona que hoy cuenta con 20 salas en un radio de ocho cuadras a la redonda, convirtiéndose así en el polo de teatro independiente de la Ciudad de Buenos Aires.
Desde entonces sus espectáculos han sido seleccionados para participar de las Fiestas Nacionales de Teatro (Instituto Nacional de Teatro), como representantes de la ciudad, y de todos los FIBA (Festival Internacional de Buenos Aires).
Ampliamente reconocido por la crítica, es uno de los favoritos del público teatral (local e internacional).
Confluyen en su escenario directores de vasta trayectoria con jóvenes talentos que estrenan sus óperas primas;  la danza y danza-teatro también forman parte de su programación.
No recibe subsidios del Instituto Nacional de Teatro ni de Proteatro; se financia de forma absolutamente independiente.

La comida es la segunda obra del Proyecto Dramaturgo-directores, que tiene como objetivo promover los nuevos lenguajes teatrales en el mundo, abriéndoles la puerta a jóvenes dramaturgo-directores extranjeros; se los invita a montar sus obras y dirigir a un elenco local. Es una experiencia de convivencia y co-creación entre estos dramaturgo-directores y actores, escenógrafos, iluminadores y vestuaristas argentinos. Se promueve así el contacto del público local con nuevos talentos de distintos lugares del mundo.
Hilvanando cielos de Paco Zarzoso (España) fue la primera obra estrenada en el marco de este proyecto. Se presentó en 2011 en la Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín.
En esta oportunidad, el Proyecto Dramaturgo-directores continúa ampliándose, incorporando una sala de teatro independiente y retomando de este modo las producciones asociadas con dicho circuito, que el Teatro San Martín desarrolló hasta 2001. 

Cómo se preparó “La comida” – Sinopsis
“Oswaldo y Mario de Andrade, importantes artistas brasileños, señalaron la potencia de la herencia 'caníbal' de nuestra cultura. Una apropiación inteligente y subversiva accionó la mirada caníbal y ‘macunaímica’ en nuestra autodefinición como nación. Los desarrollos son evidentes en los estudios y creaciones artísticas desde entonces. La comida es la heredera hambrienta de esos maestros.
El canibalismo amerindio, más específicamente el canibalismo tapuia y tupinambá, sirven como trampolín sugestivo para proponer tres ensayos dramáticos sobre el tema de la obra.
El canibalismo guerrero (donde se devora el enemigo para mostrar más fortaleza) y el canibalismo funerario (donde se devora al pariente para mostrar reverencia y respeto, para enterrarlo dentro de sí) fueron los ejes poéticos que organizaron las fábulas y el discurso de esta pieza.
El acto caníbal es un arma metafórica que se adopta sin ninguna indicación antropológica, pero sí con el deseo de accionarlo como un portal para entender la sociedad brasileña; entender al otro que nos alimenta y nos devora en el ámbito de las relaciones contemporáneas.
En la primera historia, que sucede en una habitación de hospital, una pareja se sorprende con ‘la potencia afectiva’ de su relación. El acto caníbal explota deseos y ganas presas dentro de cada uno que nunca fueron reveladas. La sorpresa inicial poco a poco los conduce a reverse uno a otro, a acercarse a la verdadera relación y al pacto. Porque lo importante son los acuerdos en el plano de nuestra intimidad.
En la segunda historia, una pareja dispar formada por ejecutivos y un mendigo en la selva de São Paulo, se encuentra fortuitamente ‘a la luz de la luna en la cuneta’. El director ejecutivo recita un monólogo afectivo y pide al mendigo una pequeña muestra de amor, una mordida, un pedazo de sí. El enfoque cínico y seductor evidencia la cínica y seductora selva de las relaciones de poder y la violencia urbana. Una ‘devoración’ explícita y aterradora que insistimos en romantizar.
En la tercera historia, un antropólogo se encuentra atrapado por el pedido de su objeto de estudio. Un indio de edad, el último de su tribu, muere ante él lentamente y quiere el camino para volver a las raíces. Para que el camino sea completado debe ser enterrado como un digno representante de su nación. A cambio, el indio viejo le dará las últimas palabras y tradiciones de esta tribu en vías de extinción inmediata. ¿Al servicio de qué están finalmente los intereses científicos? ¿Puede el antropólogo aproximarse tanto a su objeto al punto de modificar su punto de vista? ¿Puede ofrecerse a sí mismo en sacrificio por la ciencia? ¿Puede dar esta prueba de amistad?
Aquí una cultura se despide de nosotros delante de nuestros ojos. El ritual de la muerte y el renacimiento de un pueblo, una idea de Brasil. Cultura come cultura. Nuestros familiares muertos vienen por nosotros. Y la selva amazónica cae consumida por la voraz insensatez del mundo.”
Newton Moreno

Palabras de Cibele Forjaz sobre La comida:

"La comida de Newton Moreno es un texto sorprendente porque el entrelazamiento de tres diferentes historias de canibalismo pone de manifiesto la relación intrínseca entre la humanidad y la animalidad.
Al mismo tiempo, crea conexiones entre los temas de ciudad y la selva y, a través de la metáfora del canibalismo, pone de manifiesto profundos problemas de relación entre clases, géneros y culturas".

Palabras de Cibele Forjaz sobre el Proyecto Dramaturgo-directores:

“Estoy muy feliz de haber sido invitada a participar del Proyecto Dramaturgo-directores.
Este proyecto es una puerta abierta a la reunión creativa y al intercambio entre culturas que, a pesar de estar cerca en tiempo y espacio, se desconocen la una a la otra. Me siento muy honrada de dirigir en Buenos Aires porque es la ciudad más teatral que he conocido. Una ciudad que respira teatro por todos los poros, donde el teatro sigue siendo el lugar de la polis, para la polis. Estoy segura de que voy a aprender mucho y no seré la misma después de este ‘encuentro’.

El Proyecto Dramaturgo-directores tiene como base el cruce entre artistas argentinos y extranjeros. Un intercambio, a partir de la realización de una creación teatral conjunta, entre formas, temas y procedimientos de trabajo. Su rapidez (24 ensayos) e intensidad forman parte del desafío.
Precisamente por ese carácter de intercambio entre diferentes -brasileros y argentinos, vecinos históricamente reconocidos como hermanos y oponentes, al mismo tiempo tan próximos como distantes–  elegí el texto La comida, del dramaturgo Newton Moreno.
A partir de este texto me propuse abordar la antropofagia como tema y también como procedimiento de creación.
La antropofagia en Brasil es (de forma muy resumida) la resignificación de la antropofagia amerindia (los pueblos tupis devorando extranjeros y enemigos) para las relaciones culturales. Una forma de relación metaforizada por la ‘devoración’ y deglución de lo diferente, transformado en propio.
Así hicieron todos los pueblos de América, formados por el mestizaje entre los pueblos originarios y los colonizadores y por las oleadas y oleadas de inmigrantes.
Por todo eso, llegué con el cuaderno en blanco, lista para conocer al equipo argentino, con el objetivo de conocer el teatro porteño y de crear juntos un espectáculo inédito.
Realizamos un proceso resumidísimo de ‘devoración’ del texto original, como forma de construcción colaborativa del espectáculo.
Durante la primera semana, mezclamos el análisis de texto con la presentación de las ‘devoraciones’ de los actores. Esas ‘devoraciones’ son escenas creadas por ellos, como forma de presentación de su propia comprensión y concepto de la obra. A partir de todas estas ‘devoraciones’, hice la mía. 
En la segunda semana, investigamos los animales internos de cada personaje, porque el texto habla de humanidad y animalidad. A continuación, improvisamos todas las historias a partir de un guión de los verbos de acción, realizado durante el análisis. Improvisaciones mudas, como animales y con textos inventados.  
Al inicio de la tercera semana presenté mi concepción del espectáculo, realizada a partir de la investigación conjunta de las dos primeras semanas.
Ahora, falta ponerla en escena. Memorizar el texto, recrear los movimientos de los actores a partir de las improvisaciones realizadas, fortalecer la carne del texto y las relaciones, producir y estrenar.  Todavía tenemos 10 ensayos, casi la mitad del tiempo total disponible.
Busco en este espectáculo, a partir de lo que entendí de este cruce de culturas, devorar un poco del teatro porteño, y hacer una travesía de lo más cercano a lo más lejano. Para que podamos comunicar, de la mejor forma posible, nuestras inmensas semejanzas y diferencias. Con paz y amor.”

Cibele Forjaz
Directora artística del colectivo teatral Cia. Livre  (São Paulo / Brasil), Cibele Forjaz es Profesora e Investigadora del Departamento de Realización de la Escuela Comunicación y Artes de la Universidad de São Paulo (USP).
Es directora teatral formada en ECA / USP (1985/89). En 25 años de trabajo profesional, participó activamente en tres grupos de teatro como directora, iluminadora y dramaturga (en procesos colaborativos): A Barça de Dionísos (1986-1991), Teatro Oficina Uzyna Uzona (1992-2001) y la citada Cia.Livre (desde 2000). Es fundadora del grupo A Barça de Dionísos, donde fue iluminadora de Leonce e Lena de Georg Büchner (1987); dirigió El hombre de la flor en la boca de Luigi Pirandello, Háblame como la lluvia de Tennessee Williams, Noche de Harold Pinter (1988), La pasión según GH de Marilena Ansaldi sobre la obra homónima de Clarice Lispector (1989); y realizó la dramaturgia en un proceso en colaboración para El lamento de Ariadna a partir del poema de Friedrich Nietzsche (1990) y Woyzeck de Georg Büchner (1991). Trabajó en el Taller de Teatro Uzyna Uzona durante diez años, donde fue iluminadora y asistente de José Celso Martínez Correa en Hamlet de William Shakespeare, Bacantes de Eurípides, Misterios Gozosos de Oswald de Andrade, Para terminar con el juicio de Dios (Antonin Artaud), Ella, (Jean Genet) y Cacilda! (Zé Celso).
En 1999 fundó Cia.Livre con los artistas-creadores de su generación, en la cual dirigió Toda desnudez será castigada de Nelson Rodrigues (2000 / 01); Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams (2002); Arena cuenta Dantón (una relectura de La muerte de Dantón de Georg Büchner de la Cia.Livre en el Teatro de Arena, con dramaturgia de Fernando Bonassi (2004/06)); VemVai - El camino del drama sin salida de Newton Moreno, sobre los mitos y las canciones de pueblos amerindios (2007/09); y Secuestrado por Ray (2009/2010), libre recreación de Peter Cesarino del mito-canto de Kana Kawa (pueblo Marubo).
En asociación creativa entre Cia.Livre y otros artistas dirigió Woyzeck, O Brasuleiro (2003/04), la adaptación de Fernando Bonassi de la obra original de Georg Büchner;  Reina[(S)] - Dos actrices en busca de un corazón de su autoría junto a Fadel Georgete y Teixeira Isabel (2008/2011), a partir de María Estuardo de Friedrich Schiller; y El idiota - Una novela teatral, con adaptación de Aury Porto, Cibele Forjaz, Luah Guimarãez y Vadim Nikitin, de la novela de Fiodor Dostoievski (2010/11).
Ha ganado varios premios, entre ellos, APCA (Asociación Paulista de Críticos de Arte) de 1989, Mambembe 1996, APCA de 1998, Qualidade Brasil 2002, APCA y Shell 2004, 2007 y APCA y Shell 2010.

Newton Moreno
Nacido en Recife (Brasil), Newton Moreno se graduó en Licenciatura en Teatro de las Artes por la UNICAMP- Universidade Estadual de Campinas- y realizó el Master y Doctorado en Artes Escénicas en la USP, bajo la supervisión de la profesora Dra. Silvia Fernandes Telesi.
En el año 2001 puso en escena su primer texto Dios lo sabía todo .... Es el autor de Dentro (que participó en la Exposición de Dramaturgia Contemporánea de SESI -Servicio Social de la Industria del Brasil- en 2002); La cicatriz es la flor -estos dos textos en conjunto constituyen la primera etapa de un proyecto de Body Art-; y Agreste, montado por la Cia Cia Razões Inversas en São Paulo. Por este texto ganó el Premio Shell y APCA como Mejor Autor en 2004.
Recibió la Bolsa Vitae de Artes en el año 2003 para llevar a cabo la adaptación teatral del libro de Assombrações do Recife Velho de Gilberto Freyre. Este espectáculo ganó los Premios Qualidade Brasil 2005 a la Mejor Obra, Mejor Director y Mejor Actor en la categoría Comedia y fue nominada por su dirección, iluminación y música para el Premio Shell de Teatro 2005.
Recibió también el Premio de Teatro Centenario de Shell en Río de Janeiro en 2008 y el Premio Con usted! Mejor Autor de ese mismo año.
Memoria de Caná, espectáculo dirigido por Newton Moreno, recibió en 2009 el Premio APCA a la Mejor Obra y Mejor Dirección y el Premio Escenarios de Shell.
En 2010 estrenó los espectáculos: Agreste MalvaRosa, con la dirección de la Compañía Teatro de Amok; Libro, dirigida por Christiane Jatahy y actuación de Eduardo Moscovis; y María do Caritó, dirigida por João Fonseca y Lilia Cabral, con Leopoldo Pacheco en el reparto, todos de Río de Janeiro.
María do Caritó recibió el Premio Qualidade Brasil como Mejor espectáculo de Comedia en 2010, y fue nominado para el Premio Contigo! y APTR (Associação dos Produtores de Teatro do Rio de Janeiro) al Mejor Autor. En 2012 estrenó, en São Paulo, el espectáculo Terra de Santo.



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