PROGRAMACIÓN TEMPORADA 2018
TEATRO SAN
MARTÍN
Av.
Corrientes 1530
-SALA
MARTÍN CORONADO
Teatro
El
casamiento
De Witold
Gombrowicz
Dirección:
Michal Znaniecki
El casamiento de Witold Gombrowicz es un clásico que representa de
forma inequívoca el genio del autor, pero también nos conecta con
la tradición teatral polaca de Tadeusz Kantor. Una obra escrita en Argentina y pilar fundamental para
entender las claves de la evolución del lenguaje teatral, una obra maestra
donde lo poético y lo filosófico se encuentran en una dimensión formal
definitoria del teatro contemporáneo. La construcción del personaje, la
forma casi kantoriana y el propio
tema del casamiento la hacen situarse
en la estela de la gran tradición del
teatro político. Arranca en el sueño de un soldado polaco del ejército francés
durante la II Guerra Mundial: un momento de decadencia de los valores y que
presenta la necesidad de crear una nueva realidad. También virtual. También
teatral. Una ceremonia gombrowicziana siempre actual y política.
El personaje de Enrico -alter ego de Gombrowicz- se transforma en director de escena, un creador de mundos televisivos, finalmente un político que cambia las prioridades y los valores de la sociedad. La manipulación mediática y humana sigue la idea de Gombrowicz que indica esta línea de interpretación en sus diarios. Enrico crea mundos escénicos usando la tradición de teatro de Kantor: el gran maestro del teatro formal construido sobre las ruinas del mundo de postguerra.
Coordinación de producción (CTBA): María La Greca
Música
original: Hadrian Tabecki
Vestuario:
Luciana Gutman
Escenografía:
Luigi Scoglio
Dirección:
Michal Znaniecki
Funciones: de marzo a junio
Teatro -
Temporada internacional (Uruguay)
Incendios
De Wajdi Mouawad
Dirección: Aderbal Freire-Filho
Por la Compañía Teatro El Galpón
Incendios cuenta tres historias íntimamente relacionadas entre sí: la de la joven
Nawal desde que se enamora de Wahab y queda embarazada; por otro lado, la
historia de ese primer hijo, del que la separan apenas nace y a quien busca
obsesiva, frenética e incansablemente durante toda la vida; y, por último, una
segunda búsqueda emprendida ahora por sus hijos mellizos para llegar a la
verdad del pasado de su madre, Nawal.
La obra de Wajdi Mouawad está marcada por situaciones devastadoras: guerras, exilios, pérdidas e injusticias. Incendios es uno de sus títulos más celebrados, con decenas de premios, elogiadas producciones alrededor del mundo y una película dirigida por el canadiense Denis Villeneuve, nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera.
La obra de Wajdi Mouawad está marcada por situaciones devastadoras: guerras, exilios, pérdidas e injusticias. Incendios es uno de sus títulos más celebrados, con decenas de premios, elogiadas producciones alrededor del mundo y una película dirigida por el canadiense Denis Villeneuve, nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera.
“Incendios es parte de una tetralogía y, a su vez, está dividida
en cuatro partes: Incendio de Nawal, Incendio de la infancia, Incendio
de Janaane e Incendio de Sarwane. ¿Y qué es el escenario sino un
cuadrado invadido por la imaginación? La obra va de un lugar a otro, de un
espacio abierto a otro cerrado, de un continente a otro, de una cultura a otra.
Y se desplaza con la misma libertad en el tiempo, en escenas que van y vuelven
a lo largo de 50 años, que a veces se mezclan o dialogan. Estamos frente a un
autor con un dominio impresionante de los recursos dramáticos y épicos que el
teatro explotó y desarrolló a lo largo de su historia, y también de ahí deriva
el reconocimiento de su obra en tantos países. En Incendios, Wajdi
Mouawad logra reconquistar la fuerza que la tragedia tuvo en la antigüedad.
Pocas obras de teatro se han acercado tanto al poder de identificación
(comunicación con la polis) y catarsis que tuvo el teatro en su origen
griego. Wajdi Mouawad se aleja del teatro burgués con una dramaturgia cuatro
veces viva: épica, dramática, social, presente”.
Aderbal Freire-Filho
Con
Elizabeth Vignoli, Héctor Guido, Silvia García, Anael Bazterrica, Estefanía
Acosta, Solange Tenreiro, Federico Guerra, Claudio Lachowicz, Pablo Pípolo,
Sebastián Silvera
Producción:
El Galpón
Coordinación
de producción (CTBA): Galo Ontivero
Productora
técnica (CTBA): Magdalena Berretta Miguez
Dirección:
Aderbal Freire-Filho
Con la colaboración
del INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay) - Dirección
Nacional de Cultura
Funciones:
junio
Teatro
Teatro
Proyecto
Pruebas: El hipervínculo (Prueba 7)
Dramaturgia y dirección: Matías Feldman
Por la Compañía Buenos Aires Escénica
El hipervínculo (Prueba 7) se propone
indagar en los nuevos modos de percepción, suscitados por el fenómeno de
conexión en red. Hoy el acceso a la información es inconmensurable, la
velocidad de la circulación de imágenes crece en forma exponencial. Una porción
de información conecta con otras, que a su vez conectan con otras y éstas con
otras. La red propicia una interconexión casi infinita y, paradójicamente, una
desconexión mediada. Acostumbrada a la consecución lógica, la percepción se
entrena ahora en la simultaneidad. Internet es el dispositivo fundamental de
una mutación que se da en todos los niveles: en la política, en la economía, en
las relaciones interpersonales, en la lectura de la historia, en la visión del
futuro.
Vivimos en un capitalismo de la información que
prospera en lapsos de atención comprimidos, que se basa en la impresión antes
que en la inmersión, en la intensidad antes que en la contemplación, en las
vistas preliminares antes que en las versiones finales. La globalización
cultural ha llegado hoy a su máxima expresión y, a su vez, a su crisis más
profunda. Los modos tradicionales de mirar y percibir se han caído. Se
distorsionan y multiplican las perspectivas. Editamos lo que nos rodea de una
forma muy particular. Una nueva manera de percibir. Una nueva manera de mirar.
Una nueva manera de contar.
Coordinación
de producción (CTBA): María La Greca
Funciones:
de julio a agosto
Danza
Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín
Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín
Dirección:
Andrea Chinetti
Co-dirección:
Miguel Ángel Elías
Los integrantes del Ballet Contemporáneo son Constanza Agüero, Lucía
Bargados, Melisa Buchelli, Carolina Capriati, Flavia Dilorenzo, Fiorella
Federico, Paula Ferraris, Daniela López, Silvina Pérez, Eliana Picallo, Andrea
Pollini, Eva Prediger, Sol Rourich, Ivana Santaella, Agostina Scarafia, Erika
Zimmermann, Federico Amprino, Adriel Ballatore Crosa, Leandro Bustos, Darío
Calabi, Matías De Cruz, Lautaro Dolz, Rodrigo Etelechea, Darcio Gonçalez,
Matías Iaconianni, Alexis Mirenda, Benjamín Parada, Boris Pereyra, Michael Requena,
Rubén Rodríguez, Damián Saban.
Los asistentes coreográficos son Elizabeth Rodríguez y Diego Poblete. La
coordinación de producción es de Virginia Fornillo.
Sapiens /
Ensueño
Sapiens o La domesticación
del fuego
De Lisi Estaras
De Lisi Estaras
“El homo sapiens es el único que puede hablar de cosas que no existen. Inventar una ficción y creerla. Convencer al resto de que es verdad. Un gran número de extraños pueden cooperar con éxito por creer en mitos comunes. El poder de la imaginación de los seres humanos. En este lugar indefinido se encuentra un grupo de personas para empezar de cero. Buscan cómo ‘ser’ con el otro. Transformarse, mutar, adaptarse. Re-crearse. El sentido ambiguo de la comunicación, el individuo y el grupo, el deseo de pertenecer, son puntos de partida en donde el cuerpo toma la palabra enérgico y extremo. ¿La empatía nos define como humanos? ¿El pensamiento? ¿Qué nos distingue esencialmente en nuestra humanidad de las otras especies? ¿Cómo el encuentro con el otro puede cambiarme? ¿Cómo tratamos de integrarnos o pertenecer a un grupo sin perder nuestra individualidad? ¿Cómo creo que pienso cuando estoy pensando? ¿Cómo creo que pienso cuando no estoy pensando? En este mismo momento, lo que pienso cuando pienso ¿es lo que pienso cuando estoy pensando? ¿Estar haciendo frases es pensar? No estoy pensando pero estoy buscando mis palabras. En este montón, tiene que haber seguramente una palabra que vendrá a aclarar este estado a la deriva, esta duda, esta agitación que más tarde va a ’significar’ algo”.
Especies de espacios de Georges Perec
Coordinación
de producción (CTBA): Virginia Fornillo
Producción técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro
Asistente coreográfico: Ido Batash
Producción técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro
Asistente coreográfico: Ido Batash
Música
original: Gabriel Chowjnik
Escenografía: Kirka Marull
Iluminación: Ignacio Riveros
Vestuario: Analía Morales
Escenografía: Kirka Marull
Iluminación: Ignacio Riveros
Vestuario: Analía Morales
Coreografía y dirección: Lisi
Estaras
Ensueño
De Marcelo
Savignone
El cuerpo que sueña se propone indagar más allá de las realidades, en
las posibilidades, en lo onírico, en una de las formas del destino, en los mitos
y las leyendas que nos construyen.
La pieza está centrada en la capacidad que tiene el cuerpo de mutar, de
transformarse, de poetizar, de danzar a través del contenido de los sueños.
Sueños que nos pertenecen, que nos dan esperanzas, sueños que nos atormentan,
sueños recurrentes, sueños del pasado, sueños que nos obsesionan, sueños que
nunca vuelven, sueños que son mitos.
El sueño como una prolongación de la vida, un lugar a donde volvemos constantemente, el sueño como una explicación de todo aquello que la realidad no alcanza. El mito como territorio de exploración. Cuerpos que esperan para dormir, cuerpos que despiertos sueñan. Cuerpos atravesados por los mitos y leyendas.
El sueño como una prolongación de la vida, un lugar a donde volvemos constantemente, el sueño como una explicación de todo aquello que la realidad no alcanza. El mito como territorio de exploración. Cuerpos que esperan para dormir, cuerpos que despiertos sueñan. Cuerpos atravesados por los mitos y leyendas.
Los intérpretes ubicados en el espacio comienzan a transformar la escena
a través de sus propios cuerpos, a través de re-significar los objetos que allí
se encuentran. Es ahí donde todos los sueños confluyen en diferentes
coreografías.
Coordinación de producción (CTBA): Virginia Fornillo
Producción
técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro
Asistente
coreográfica y de dirección: Belén Santos
Música
original: Diego Frenkel
Iluminación:
Ignacio Riveros
Vestuario:
Mercedes Colombo
Escenografía:
Gonzalo Córdoba Estévez
Dirección:
Marcelo Savignone
Funciones:
de agosto a septiembre
Teatro
Esperando a Godot
De Samuel Beckett
Dirección: Pompeyo Audivert
“El teatro es una máscara que oculta el vacío” (Beckett)
El piedrazo en el espejo
En Beckett mueren las coartadas tranquilizadoras que el “teatro espejo” suele ofrecer a los que buscan afirmar su identidad y pertenencia, su sentido en el frente histórico. Beckett es un salto a otra latitud, a una zona dorsal que también es el hombre, aunque sin parapetos, certezas ni significación: tan sólo cartoneros metafísicos del fin del mundo buscando entre los restos del derrumbe un poco de calor y de cobijo mientras nos confiamos a la ilusión del por-venir. Beckett es el piedrazo en el espejo.
“La poética teatral es a veces cóncava y a veces
convexa, a veces misteriosa y oscura, fronteriza y subterránea, y otras veces,
excitada por el mundo y lo humano, ardorosa y sanguínea, celeste y terrestre.
Beckett es un ejemplo de la poética cóncava: vacíos sin atmósfera, territorio
arrasado sin historia ni futuro, restos en vías de extinción emiten sus últimas
palabras y gestos a través de cuerpos sin identidad que apenas sostienen
mecánicas afásicas que exudan pavor en la intemperie acéfala. No hay mensaje ni
humanidad ni pensamiento, sólo la pavorosa sospecha de no estar muertos aún.
Shakespeare, en cambio, poética del mundo y del hombre entramada en un furioso
cuerpo de relámpagos, el destino y las compulsiones del ser agitándose en las
contradictorias aguas históricas. Pero la poética teatral es también el arte
del contrapunto de esos dos niveles, ya que ambos dependen del otro para
existir en algún grado. ¿Qué es lo convexo sino la expresión de un
cóncavo dorsal y viceversa? Geometrías de resonancia en relación teatral. Es
excitante pensar lo teatral como la combinación de estos niveles aparentemente
opuestos, no es casual que Beckett cite a Shakespeare y a Calderón o que tome
elementos del circo y del vodevil, ni que en Shakespeare se presienta un nivel
metafísico ominoso destilado en atmósfera. Beckett y Shakespeare tienen muchos
puntos de contacto, abejas mutuas.
Volver a Beckett, a Godot, hoy, es volver a la
intemperie, es reconocer que seguimos aquí, en el páramo de huesos, esperando,
haciendo tiempo, deshojando el tiempo bajo un árbol raquítico mientras el sol
del mundo se apaga y no nos atrevemos a morir ni a entrar en acción. Como
Hamlet (paralizado en el estupor de su lucidez atónita y cobarde)”.
Pompeyo Audivert
Con Daniel Fanego, Roberto Carnaghi y elenco.
Coordinación
de producción (CTBA): Gustavo Schraier
Producción
técnica (CTBA): Magdalena Berreta Míguez
Iluminación: Félix Chango Monti
Escenografía: Norberto Laino
Sonorización: Claudio Peña
Vestuario: Julio Suárez
Dirección: Pompeyo Audivert
Escenografía: Norberto Laino
Sonorización: Claudio Peña
Vestuario: Julio Suárez
Dirección: Pompeyo Audivert
Funciones: de septiembre a diciembre
Danza
Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín
Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín
Dirección:
Andrea Chinetti
Co-dirección:
Miguel Ángel Elías
La
tempestad
(reposición)
Versión
libre de la pieza de William Shakespeare
Coreografía
y dirección: Mauricio Wainrot
“Adaptar una obra literaria o teatral a un vocabulario de movimiento es
siempre una gran aventura. Dentro de la complejidad a la que uno se enfrenta en
una empresa de estas características, Shakespeare, con su enorme capacidad para
crear situaciones y personajes diversos, nos ofrece numerosas opciones y
múltiples caminos. Es tal la riqueza de elementos que prodigan sus obras, que
permite a cada artista la posibilidad de trasladar esos textos a su propia
poética y a otros vocabularios.
La tempestad, pieza de acertijos y diversos mundos espirituales, está contada en mi
versión como una obra épica, con personajes mágicos y misteriosos que surgen de
la mirada del personaje principal, Próspero, quien con su poder los plasmará
escena tras escena. Los recreará, y los atraerá hacia su nuevo destino, creando
para ello su propia tempestad, en un espacio mental que domina perfectamente, y
en ese otro espacio físico: la isla que fuera de la derrotada bruja y de
Calibán, y que ahora lo contiene a él, a su hija Miranda y a Ariel”.
Mauricio Wainrot
La
tempestad fue estrenada por el Ballet Contemporáneo en 2006, en 2012 por el Ballet
du Capitole de la Ópera de Toulouse, y en 2016 por el Ballet de la Ópera de
Bordeaux.
Coordinación
de producción (CTBA): Virginia Fornillo
Producción
técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro
Música:
Philip Glass
Iluminación:
Eli Sirlin
Vestuario
y escenografía: Carlos Gallardo
Coreografía
y dirección: Mauricio Wainrot
Funciones: octubre
-SALA CASACUBERTA
Danza
Ballet
Contemporáneo del Teatro San Martín
Dirección:
Andrea Chinetti
Co-dirección:
Miguel Ángel Elías
El
reñidero
A partir de la obra de Sergio De Cecco
Coreografía
y dirección: Alejandro Cervera
“En 1964 Sergio de Cecco escribe El reñidero donde la Electra de
Sófocles aparece mezclada con los arrabales porteños de principios del siglo XX.
Viudas, hijas, matones y cuchilleros de estirpe borgeana dan cuenta de un
asesinato que clama venganza. Los conflictos de los personajes aparecen
enmarcados en un clima social violento y sin reglas. A más de cincuenta años de
haber sido escrito, la vigencia de El reñidero, más allá de
la presencia implacable de la tragedia, está dada por la pregunta que abre
sobre la argentinidad. Aquel escenario violento del primer Centenario pareciera
tener una dolorosa presencia en nuestros días.
He pensado esta versión coreográfica como una sucesión de doce
escenas en blanco y negro, de fuerte contenido dramático, para un grupo de
veinte bailarines, un percusionista, un bandoneonista y una actriz”.
Alejandro Cervera
Actriz: Dahyana Turkie
Coordinación
de producción (CTBA): Virginia Fornillo
Producción técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro
Producción técnica (CTBA): Ángel Ariel Porro
Meritorio
de dirección: Marcela Chiummiento y Eva Rizzonelli
Asistente de dirección: Paz Corinaldesi
Música original: Zypce
Músicos en vivo: Eliseo Tapia – Arauco Yepes
Asistente de dirección: Paz Corinaldesi
Música original: Zypce
Músicos en vivo: Eliseo Tapia – Arauco Yepes
Selección
musical: Alejandro Cervera
Iluminación: Matías Sendón
Vestuario: Julio Suárez
Asistente de vestuario: Analía Morales
Iluminación: Matías Sendón
Vestuario: Julio Suárez
Asistente de vestuario: Analía Morales
Escenografía:
Alejandro Cervera y Laura Copertino
Coreografía y dirección: Alejandro Cervera
Funciones: de marzo a abril
Coreografía y dirección: Alejandro Cervera
Funciones: de marzo a abril
Teatro - Temporada
internacional (Gran Bretaña / Argentina)
La
tempestad
De William
Shakespeare
Traducción:
Marcelo Cohen y Graciela Speranza
Dirección:
Penny Cherns
Próspero, Duque legítimo de Milán, ha sido desterrado por su hermano,
Antonio, y se encuentra en una isla desierta tras naufragar su barcaza. En
ella, Próspero cuenta con la compañía de su hija Miranda, descansa con sus
numerosos libros dedicándose al estudio y al conocimiento de la Magia, y entra
en contacto con espíritus que allí habitan, como Ariel y Calibán. La acción
comienza con una fuerte tormenta, desatada por el espíritu Ariel (por mandato
de Próspero), cuando adivina que su hermano Antonio viaja en un buque cerca de
la isla en la que él se encuentra. Con su ayuda, desde el caos y la locura,
Próspero tejerá un encantamiento que le permitirá iniciar su venganza. Al final
renunciará a su magia perdonando a sus enemigos y permitiendo el matrimonio
entre su hija Miranda y Fernando ¿Cómo podrán avanzar Miranda de Milán y
Fernando de Nápoles hacia este nuevo mundo que, como dice Próspero, sólo le
parece así porque ella no lo conoce todavía? Es difícil ser un gobernante justo
y operar a través de un estado de derecho y justicia, en lugar de que sea el
ego el que nos guíe.
La directora británica Penny Cherns, que llega a Buenos Aires para
dirigir su versión del clásico de William Shakespeare, es Directora del Master
en Actuación Clásica de la London Academy of Music and Dramatic Art (LAMDA). Cherns
ha trabajado con la Royal Shakespeare Company, con el Royal Court Theatre y el
New End Theatre de Londres, entre otros. Este espectáculo se presenta en
colaboración con el British Council.
Con Osqui Guzmán, Malena Solda, Martín Slipak, Alexia Moyano, Gustavo Pardi, Iván Moschner y Marcelo Xicarts.
Coordinación
de producción (CTBA): Gustavo Schraier
Producción
técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina
Asistencia
de iluminación: Sebastián Evangelista
Asistencia
de escenografía: Luciana Uzal
Director
asistente: James Murray
Movimiento
en escena y colaboración artística: Abigail Kessel
Música
original: Rony Keselman
Iluminación:
Eli Sirlin
Vestuario:
Mini Zuccheri
Escenografía:
Jorge Ferrari
Dirección:
Penny Cherns
Funciones:
de mayo a agosto
Títeres para grandes y chicos
Grupo de Titiriteros del Teatro
San Martín
Dirección
artística: Adelaida Mangani
Los integrantes del Grupo de Titiriteros son Emmanuel Abbruzzese, Ayelén
Allende, Victoriano Alonso, Lorena Azconovieta, Diego Baez, Ariadna Bufano,
Myrna Cabrera, Eleonora Dafcik, Mariano Del Pozzo, Pablo Del Valle, Mariana
Elizalde, Valeria Galíndez, Silvia Galván, Francisco Garrido, Bruno Gianatelli,
Carolina Graff, Julia Ibarra, Román Lamas, Lara Liebenthal, Celeste López,
Lucila Mastrini, Johanna Mizrahi, Fernando Morando, Estanislao Ortiz, Olavia
Paz Campos, Mariano Pichetto, Esteban Quintana, Ivo Siffredi, Daniel Spinelli,
Florencia Svavrychevsky, Leticia Yebra.
Equipo de realización: Alejandra Farley, Katy Raggi y Florencia
Svavrychevsky.
Coordinación de producción: Galo Ontivero
Asistentes de dirección: Ayelén Laxalt, Mariana Díaz y Ana Ortiz
La isla
desierta
(reposición)
De Roberto Arlt
Adaptación para teatro de títeres y
dirección: Adelaida Mangani
“Roberto Arlt nos presenta en
esta obra un clima de alienación y conformismo en el cotidiano de una oficina
corriente que está ubicada en un subsuelo. Un día se produce una mudanza y
aparecen problemas que ya existían pero estaban ocultos en la oscuridad del
lugar.
Se trata de un texto que
expresa una visión crítica del mundo, y quizá un poco pesimista sobre la
condición humana. Hemos elegido contarla con títeres de manipulación directa
sobre mesa que se alejan un tanto de nuestra dimensión, para permitirnos
habilitar el texto desde la ironía y la ternura.
Al mismo
tiempo los titiriteros, convertidos en vehículos de los personajes a través del
escenario, se someten a ellos y unos y otros se burlan un poco del
autoritarismo y de la rutina aplastante. También serán el alter ego que los
interroga sobre sus sueños reprimidos y les proponen ¿por qué no? la aventura
de la libertad”.
Adelaida
Mangani
Coordinación de producción
(CTBA): Galo Ontivero
Producción técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina
Producción técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina
Asistencia de dirección (CTBA):
Mariana Díaz
Realización de títeres: Walter Lamas, Alejandra Farley y Katy Raggi y Florencia Svavrychevsky.
Realización de títeres: Walter Lamas, Alejandra Farley y Katy Raggi y Florencia Svavrychevsky.
Realización de objetos de
“María” y “Manuel”: Estanislao Ortiz
Música original y puesta de sonido: Vicentico
Diseño de iluminación: Omar San Cristóbal
Diseño de títeres, objetos y vestuario: Walter Lamas
Diseño de escenografía: Carlos Di Pasquo
Dirección: Adelaida Mangani
Música original y puesta de sonido: Vicentico
Diseño de iluminación: Omar San Cristóbal
Diseño de títeres, objetos y vestuario: Walter Lamas
Diseño de escenografía: Carlos Di Pasquo
Dirección: Adelaida Mangani
Funciones:
de junio a julio
Teatro -
Temporada internacional (Uruguay)
El bramido de Düsseldorf
El bramido de Düsseldorf
De Sergio Blanco
Siguiendo la línea de autoficción en la cual el dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco viene incursionando desde hace ya algunos años, su último texto teatral, El bramido de Düsseldorf, es una pieza que relata la agonía y la muerte del padre de un autor teatral en una clínica de Düsseldorf.
El dramaturgo de esta ficción ha viajado allí para llevar adelante un
proyecto que nunca sabremos con certeza y exactitud cuál es. A medida que la
pieza avance se irán entrecruzando, en un vertiginoso juego teatral, las tres
posibles hipótesis por las cuales este escritor se encuentra en Düsseldorf y
que oscilan entre: la asistencia para concurrir a la inauguración de una
exposición sobre Peter Kürten –el célebre asesino en serie alemán de principios
del siglo XX, conocido con el apodo de El vampiro de Düsseldorf–, y para
la cual el autor ha escrito el catálogo; la asistencia para firmar un contrato
como guionista de películas pornográficas con una de las productoras
cinematográficas más importantes de la industria porno europea; y/o la
asistencia para proceder a su conversión al judaísmo por medio de su
circuncisión en la famosa Sinagoga de Düsseldorf. De esta forma, paralelamente
al tema de la muerte del padre –que será central–, el texto irá también
abordando el de los límites del arte, el asunto de la representación de la
sexualidad y la cuestión de la búsqueda de Dios.
Con
Gustavo Saffores, Walter Rey y Soledad Frugone
Producción:
Matilde López Espasandín
Coordinación
de producción (CTBA): Galo Ontivero
Productora
técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina
Asistencia
de dirección: Juan Martín Scabino
Video
arte: Miguel Grompone
Preparación vocal: Sara Sabah
Preparación de bajo: Nicolás Román
Fotografía: Narí Aharonián
Preparación vocal: Sara Sabah
Preparación de bajo: Nicolás Román
Fotografía: Narí Aharonián
Diseño de sonido: Fernando Tato Castro
Escenografía, vestuario y luces: Laura Leifert y Sebastián Marrero
Dirección: Sergio Blanco
Con la colaboración del INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay) - Dirección Nacional de Cultura
Escenografía, vestuario y luces: Laura Leifert y Sebastián Marrero
Dirección: Sergio Blanco
Con la colaboración del INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay) - Dirección Nacional de Cultura
Funciones:
agosto
Teatro
-Temporada internacional (Gran Bretaña/Argentina)
Campo
minado
De Lola Arias
Traducción: Daniel Tunnard
Campo minado es un proyecto que reúne veteranos argentinos e ingleses de la guerra de Malvinas para explorar lo que quedó en sus cabezas treinta y cinco años más tarde.
En un set de filmación convertido en máquina del tiempo, los que
combatieron se teletransportan al pasado para reconstruir sus recuerdos de la
guerra y su vida de posguerra. Lou Armour fue tapa de todos los diarios cuando
los argentinos lo tomaron prisionero el 2 de abril, y hoy es profesor de niños
con problemas de aprendizaje. Rubén Otero sobrevivió al hundimiento del Buque General
Belgrano y ahora tiene una banda de tributo a los Beatles. David Jackson pasó
la guerra escuchando y transcribiendo códigos por radio y hoy escucha a otros
veteranos en su consultorio de psicólogo. Gabriel Sagastume fue un soldado que
nunca quiso disparar y hoy es abogado penalista. Sukrim Rai fue un Ghurka que
supo usar su cuchillo y actualmente trabaja como guardia de seguridad. Marcelo
Vallejo fue apuntador de mortero y ahora es campeón de triatlón. Lo único que
tienen en común todos ellos es que son veteranos. Pero ¿qué es un veterano: un
sobreviviente, un héroe, un loco? El proyecto confronta distintas visiones de
la guerra, juntando a viejos enemigos para contar una misma historia.
Campo minado indaga las marcas que deja la guerra, la relación entre experiencia y
ficción, las mil formas de representación de la memoria.
Con Lou Armour, David Jackson, Gabriel Sagastume, Ruben Otero, Sukrim Rai, Marcelo Vallejo.
Coordinación
de producción (CTBA): Natalia Uccello
Producción técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina
Asistencia de iluminación: Facundo David/ Martín Fernández Paponi
Producción técnica (CTBA): Emilia Martínez Dómina
Asistencia de iluminación: Facundo David/ Martín Fernández Paponi
Asistencia
de vestuario: Federico Castellón Arrieta
Asistencia
de escenografía: Imanol López
Asistencia
de producción: Lucila Piffer/ Agustina Barzola Wurth/ Erika Teichert
Asistencia
técnica: Imanol López
Sonido:
Ernesto Fara
Música
original: Ulises Conti
Video:
Martín Borini
Iluminación:
David Seldes
Vestuario:
Andrea Piffer
Escenografía:
Mariana Tirantte
Producción
asociada: Gema Films
Directora
asistente: Sofia Medici/Luz Algranti (Producción e Investigación)
Dirección:
Lola Arias
CAMPO MINADO es una co-comisión de LIFT con Royal Court Theatre, Brighton Festival, Universidad Nacional de San Martín, Le Quai Angers, Athens and Epidaurus Festival, Kunstlerhaus Mousonturm, Theaterformen y hTh CDN Montpellier.
Con el apoyo del British Council, la Embajada de la República Argentina
en Gran Bretaña e Irlanda del Norte, Arts Council England, The Sackler Trust.
Funciones: septiembre
Teatro
Cae la
noche tropical
De Manuel
Puig
Versión de Santiago Loza
Dirección: Pablo Messiez
Versión de Santiago Loza
Dirección: Pablo Messiez
“Cuando hace ya casi treinta años leí por primera vez Cae la noche
tropical, supe que quería hacer teatro con ella. Yo tendría unos 16 y
todavía me acuerdo de la emoción al salir de la biblioteca de Adrogué con ‘el
nuevo de Manuel Puig’, ese autor que había revolucionado mi cuerpo y mi
relación con la lectura.
Al venir a vivir a Madrid unos 20 años más tarde, volvió aquella idea de
montar la novela. Empecé a buscar el libro hasta que lo encontré en una casa de
usados, en la misma edición que había leído en Adrogué, la de la tapa de noche
y palmeras.
El poder estrenar Cae la noche tropical en el San Martín es la concreción esperada de más de un deseo: dirigir a Leonor Manso y a Tina Serrano; trabajar con Fernanda Orazi en Buenos Aires (¡por fin!); montar una obra en la sala en donde vi la función que me confirmó mi deseo de dedicarme al teatro (Tres hermanas en versión de Inda Ledesma); reencontrarme con Santiago Loza; hacer teatro con Puig.
El poder estrenar Cae la noche tropical en el San Martín es la concreción esperada de más de un deseo: dirigir a Leonor Manso y a Tina Serrano; trabajar con Fernanda Orazi en Buenos Aires (¡por fin!); montar una obra en la sala en donde vi la función que me confirmó mi deseo de dedicarme al teatro (Tres hermanas en versión de Inda Ledesma); reencontrarme con Santiago Loza; hacer teatro con Puig.
Escribo esto y veo la portada del libro sobre la mesa, atravesada por el
sol del otoño de Madrid, y recuerdo que ‘sentido’ y ‘destino’ se escriben con
las mismas letras”.
Pablo Messiez
Nota: El
estreno de este espectáculo en octubre de 2018 coincidirá con la celebración de
los 30 años de publicación de la novela de Manuel Puig.
Con Leonor
Manso, Tina Serrano y Fernanda Orazi
Coordinación de producción (CTBA): María La Greca
Entrenamiento corporal: Lucas Condró
Iluminación: Gonzalo Córdova
Vestuario: Renata Schussheim
Escenografía: Mariana Tirantte
Dirección: Pablo Messiez
Coordinación de producción (CTBA): María La Greca
Entrenamiento corporal: Lucas Condró
Iluminación: Gonzalo Córdova
Vestuario: Renata Schussheim
Escenografía: Mariana Tirantte
Dirección: Pablo Messiez
Funciones:
de octubre a diciembre
-SALA
CUNILL CABANELLAS
Teatro
Las
amargas lágrimas de Petra von Kant
De Rainer
Werner Fassbinder
Dirección:
Leonor Manso
Petra, una mujer al borde de sí misma, ama a Karin con una pasión que
ella no puede comprender. Karin, una joven oportunista, ama a Petra a su modo,
pero no sabe muy bien cómo responder a esa fidelidad obsesiva. El verdadero
amor, Marlene, carece de palabras: está a la vista y no sabemos reconocerlo.
Somos tan crueles con lo que no sabemos escuchar que el precio a pagar por ello
puede ser la soledad más terrible.
R. W. Fassbinder utiliza esta historia de amor lésbico y a sus
personajes femeninos para equiparar las esferas del poder y la opresión sexual
a la opresión de la sociedad capitalista.
Las amargas lágrimas de Petra von Kant recrea un mundo en el que se
desarrollan las emociones y necesidades humanas, y el drama no nace de las
relaciones que se establecen entre los personajes, sino de las tensiones
generadas por el ansia de poseer.
Con Muriel
Santa Ana, Marita Ballesteros, Belén Blanco y elenco
Coordinación
de producción (CTBA): Macarena Mauriño
Dirección:
Leonor Manso
Funciones:
de marzo a mayo
Teatro
La reunificación
de las dos Coreas
De Joël Pommerat
Traducción, adaptación y dirección: Helena Tritek
Pommerat (Todo saldrá bien (1) Fin de Louis) siempre sorprende con la fuerza que transmiten sus obras, de enorme potencial teatral y gran sencillez de medios. En esta ocasión, La réunification des deux Corées (La reunificación de las dos Coreas) yuxtapone pequeñas historias, como si fueran fragmentos de un espejo roto, que muestran una humanidad en las garras del amor y del desamor.
En lugar de una trama, descubrimos aquí unas veinte escenas
independientes. La construcción procede de variaciones contemporáneas alrededor
de un tema inmemorial: es del amor de lo que estamos hablando aquí. ¿Dónde está
él, este amor esquivo e invisible? Parece inseparable de las historias que se
cuentan sobre uno mismo y sobre los demás, nutridas por carencias, misterios y
malentendidos vitales que nada puede disipar. Cualquier diálogo que lo anime
sólo puede ser un diálogo de sordos.
Desgarrador o hilarante (varias escenas demuestran que una cosa no
impide la otra), el amor según Pommerat está relacionado con la pérdida y la
separación. Con el ensayo y error, con la torpeza y la violencia también. Es
una ilusión multiplicada por la otra. Y cuando interviene, el crescendo del
cuerpo-a-cuerpo, pasional o mortal, nunca está muy lejos.
El amor (siempre el mismo, nunca el mismo) trabaja en el cuerpo de los
personajes que pasan frente al público, como en un desfile donde todos pueden
reconocerse.
Con Ana
María Picchio, Maruja Bustamante, Esmeralda Mitre y elenco
Coordinación
de producción (CTBA): Federico Lucini
Dirección:
Helena Tritek
Funciones:
de junio a septiembre
Teatro -
Temporada internacional (Uruguay)
Rabiosa
melancolía
De
Marianella Morena
Rabiosa melancolía profundiza en las patologías del vínculo; lo hace desde la ruptura del tiempo, y en un loop entre lo real y la ficción, el pasado y el presente, la vejez y la infancia. Como una naturaleza beckettiana criolla, o una fábula musical, y apelando a la creatividad reactiva que nos caracteriza.
Trata sobre la ruptura de la memoria y sus trampas de ficción porque
cuando recordamos alteramos el contenido. Entonces elegimos lo sonoro, que nos
transporta sin destino, sin obligación de entendimiento; las sutilezas sonoras
de una taza cuando es apoyada en la mesa, un chorro de agua, los cubiertos
percutiendo la silla; la palabra que se transforma en música ¿por qué y para
qué? Rabiosa melancolía nos sumerge en un relato no lineal. Tres
hermanos esperan que vuelva su madre muerta; para eso reconstruyen las cuatro
comidas a través de canciones, sin saber quiénes viven o no, cuándo se
encuentran o se recuerdan.
Hay tantas historias como personas para vivirlas, hay tantas formas de contar una historia como artistas en la tierra.
Hay tantas historias como personas para vivirlas, hay tantas formas de contar una historia como artistas en la tierra.
“Rabiosa melancolía nos cuenta sobre la melancolía de crecer, envejecer y vivir con la angustia del abandono de los mejores recuerdos. No importa si nuestra madre vive o está encerrada en su cuarto componiendo canciones para que otros sean felices, y sus hijos estén sentados en la mesa solos, esperando que ella llegue. Nos cuenta cantando, con las sonoridades que la palabra produce cuando la emoción y la intensidad necesitan música para ser expuesta. Tres hermanos deciden olvidar quiénes son, roles y edades; trabajan a diario sobre qué se elige recordar y de qué forma se siente ¿es malo traicionar? La propuesta musical es minimalista, pero protagónica y en diálogo entre la palabra hablada y cantada. Los actores también son cantantes compartiendo escenario con la cantautora Malena Muyala, quien también actúa. En plano completamente acústico, este cuarteto juega y construye músicas desde la ficción y ficciona desde la música”.
Marianella Morena
Con Malena Muyala, Mané Pérez, Lucía Trentini, Agustín Urrutia
Producción
artística: Lucía Etcheverry
Coordinación
de producción (CTBA): Galo Ontivero
Productor
técnico (CTBA): Ángel Porro
Fotografía:
Gonzalo Techera
Diseño
gráfico: Nicolás Batista
Iluminación:
Ivana Domínguez
Vestuario:
Magdalena Charlo
Escenografía:
Gabriela Fagúndez
Dirección
y dramaturgia musical: Malena Muyala
Dirección general: Marianella Morena
Dirección general: Marianella Morena
Con la colaboración
del INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay) - Dirección
Nacional de Cultura
Funciones:
junio
Teatro
Tres veces
al amanecer
De
Alessandro Baricco
Adaptación
y dirección: Mónica Viñao
Un hombre y una mujer desconocidos se encuentran tres veces en el vestíbulo de un hotel, poco antes del amanecer.
Cada encuentro es único, primero y último, aunque se trate de los mismos
personajes. Y por ende de los mismos actores. Sus destinos se cruzan en tres
momentos distintos de sus vidas.
Son dos adultos primero, un viejo portero de noche y una adolescente
luego, y finalmente un chico y una policía ya madura.
No son secuenciales y, si ocurre uno, no sucederá el otro.
Cada encuentro representará una elección de ambos, destino que influirá
en el resto de sus vidas.
El relato es inquietante y a través de cada acto conocemos la vida de
ambos personajes.
Hay un tercer personaje que aparece al final de cada acto y que no es protagónico.
Coordinación de producción (CTBA): Adrián Andrada
Hay un tercer personaje que aparece al final de cada acto y que no es protagónico.
Coordinación de producción (CTBA): Adrián Andrada
Funciones:
de septiembre a diciembre
Teatro -
Temporada internacional (Gran Bretaña)
An oak tree
De Tim Crouch
Es una obra con dos actores; Tim Crouch es uno de ellos. Idealmente, el
segundo actor no ha visto ni ha leído esta pieza antes de ingresar al escenario
cuando se da comienzo al espectáculo. De esta manera se genera más libertad
para que responda según lo que le surja en el momento. An oak tree es
sólo el momento.
Crouch guía al segundo actor -abierta y cuidadosamente- a lo largo de la
función, aportándole un texto e instrucciones. Está atento y trabaja para
asegurarle su propio espacio y para que se sienta apoyado y capaz de cumplir
airosamente con su parte.
No hay una manera correcta de realizar An oak tree; no hay una
forma errónea tampoco. Lo que existe es la forma en que se concreta en cada
función y es diferente en cada oportunidad -incluso si cada palabra está
escrita en un texto previo-. La obra es una invitación a que ambos actores se
mantengan abiertos a lo que pueda suceder.
En las presentaciones que se ofrecerán en el Teatro San Martín, el
segundo actor será elegido en Buenos Aires, es decir que será un intérprete
local, con dominio del inglés.
Este
espectáculo se presenta en colaboración con el British Council.
Sala y fecha a confirmar
-HALL CENTRAL
Con el correr de los años, el Hall Central del Teatro San Martín se
transformó en un espacio para el encuentro informal entre el público y los
artistas. Con capacidad para recibir hasta cinco mil espectadores, el Hall ha
ofrecido recitales de música de los géneros más diversos, como así también
espectáculos para grandes y chicos y de danza, siempre con entrada libre.
Danza - Temporada
internacional (Suiza)
Compañía
Gilles Jobin
Força forte
Con Força forte, trabajo inspirado en la física de las partículas, Gilles Jobin regresa al escenario con su primer dúo junto a Susana Panadés Diaz. La producción está basada en los principios de la fuerza fuerte como una regla para generar movimiento y componer coreografía. Força forte juega con varias capas de realidad y explora la conexión entre los cuerpos y el espacio. Cuerpos virtuales son primero proyectados en la pantalla, antes de hacerse reales en el escenario. Imágenes virtuales, la música y los elementos de la escenografía son cosas tangibles que los bailarines manipulan en tiempo real. El western contemporáneo, el desierto y los cactus mexicanos aparecen como representantes de una soñada identidad universal, que uno podría ponerse como si fuera un disfraz.
Funciones: abril
Además, durante su estadía en Buenos Aires, el reconocido coreógrafo suizo trabajará con el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín en el montaje de su ya clásica The Moebius Strip, y comenzará una investigación sobre imágenes 3D y captura de movimiento, junto a los bailarines de la compañía. El estreno será durante la temporada 2019 del Complejo Teatral. Este proyecto cuenta con la colaboración de ProHelvetia.
Danza
“Ballet
desenchufado”- La “cocina creativa” del Ballet del Teatro San Martín
El Ballet continuará habitando el espacio del Hall Central para realizar
su actividad abierta a todo público de manera libre y gratuita, como una forma
de acercarse aun más a los espectadores, mostrándoles su “cocina creativa”. A
las clases y ensayos abiertos, se sumará un repaso por algunas de las obras de
su repertorio.
“Carta blanca” - Taller de Investigación Coreográfica del Ballet del
Teatro San Martín
Potenciando el proyecto de investigación coreográfica iniciado con "Enfoques a un mundo no mirado" (trabajo en proceso de las bailarinas de la compañía Lucía Bargados, Melisa Buchelli y Silvina Pérez), el Ballet abre un nuevo espacio de creación y experimentación. A partir de esta iniciativa, los bailarines de la compañía investigan en sus personales formas de pensar y crear danza contemporánea. En 2018 se sumarán nuevas propuestas y el Hall Central del Teatro San Martín será también un espacio en donde el público podrá descubrir una nueva faceta de los intérpretes del Ballet Contemporáneo.
Bailemos en el Hall
Gente con swing, el baile realizado en noviembre en el Hall del Teatro San Martín,
inauguró el ciclo "Bailemos en el Hall", que continuará durante todo
2018 acercando las danzas sociales -y no tanto- a todos los que quieran
venir a moverse sin prejuicios.
El ciclo está orientado a personas de todas las edades, con o sin
conocimientos de las danzas ofrecidas: folklore argentino, rock and roll,
danzas afro, y muchas más.
Charlas
“Escenas
compartidas”: Diálogos en el Hall
En 2018 continuará este ciclo
de conversaciones entre el público y los creadores de las producciones del
Complejo Teatral de Buenos Aires, que se inauguró en 2017. En este espacio de
encuentro y reflexión los asistentes pueden tener un contacto directo con
actores, directores, escenógrafos, vestuaristas o coreógrafos y conocer sus
procesos creativos en el marco de un teatro público de producción propia, así
como reflexionar sobre las interpretaciones y resonancias que cada obra genera.
El principal objetivo es abrir la charla al público, para que realice
preguntas y dialogue en vivo con los creadores presentes en cada encuentro.
-FOTOGALERÍA BANCO CIUDAD
Próximo al Hall Central, desde 1985 el pasillo de comunicación del Teatro San Martín entre las calles Corrientes y Sarmiento se convirtió en una sala de exhibición permanente con exposiciones de los más importantes fotógrafos argentinos y extranjeros, que serán retomadas en 2018. También se reanudarán las muestras fotográficas en las salas del primer piso del Hall Central. Entrada libre.
Ciclo de
Conciertos de Música Contemporánea (CCMC)
Edición XXII
Sedes: Sala Casacuberta, Sala
Cunill Cabanellas y Hall Central del Teatro San Martín; Sala Sinfónica del CCK
y Teatro de la Ribera
En 2018, el CCMC llegará a su
vigésima segunda edición consecutiva. Como en 2017, este ciclo ampliará los
puntos de vista acerca de “lo contemporáneo” y acercará otras posibilidades –y
otros públicos– al conjunto de las músicas comprometidas con las estéticas más
innovadoras del presente. Habrá, por otra parte, y tal como se comenzó en este
año, un fuerte eje en los encargos de obras a compositores argentinos: seis
piezas breves para power trío –Pedro Chalkho en guitarra eléctrica, Juan Pablo
Navarro en bajo eléctrico de seis cuerdas y Facundo Negri en batería–, cuatro
composiciones para el dúo de pianos conformado por Silvia Dabul y Lucas
Urdampilleta, y cuatro piezas para un trío de bandoneón, flauta y arpa integrado
por Pablo Mainetti, Patricia Da Dalt y Lucrecia Jancsa. Entre los autores
convocados están Luis Mucillo, Agustina Crespo, Sebastián Rivas, Pablo Ortiz,
Gabriel Valverde, Guillo Espel, Martín Matalón, Jorge Sad, Teodoro Cromberg,
Luciano Azzigotti, Abel Gilbert, Pablo Mainetti, Facundo Negri, Esteban
Insinger y Pedro Chalkho.
Dos grupos argentinos de
notable trayectoria, el coro Diapasón Sur y el Cuarteto de Cuerdas de la
UNTREF, estrenarán la obra Et Lux, de Wolfgang Rihm, con dirección de
Mariano Moruja; el compositor Esteban Insinger presentará una versión
multimediática e instrumentada para grupo de cámara de sus Diarios y los
ensambles Nacional del Sur, de Oscar Edelstein, y Compañía Oblicua, de Marcelo
Delgado, presentarán programas especiales. Se realizará asimismo la segunda
edición de Cuerpo a cuerpo, en el Teatro de la Ribera, con el estreno de
obras producidas en residencia por compositores y coreógrafos del Ensamble
Tropi, el Conservatorio Manuel de Falla y la Compañía de Danza de la UNA. La
contrabajista francesa Joëlle Léandre se presentará además junto con el
violinista Théo Ceccaldi, y con un grupo de participantes, en un taller de
improvisación que dictará durante una semana. La otra presencia internacional
será la del trío neoyorquino Bearthoven, con estrenos de obras especialmente
encargadas por ellos para su formación de piano, bajo y percusión.
Coordinación general: Nahuel
Carfi
Coordinación de producción:
Lourdes Maro
Dirección: Diego Fischerman
Funciones:
de noviembre a diciembre
Cine
-SALA LEOPOLDO LUGONES
Con la colaboración de la Fundación Cinemateca Argentina y el apoyo,
como es habitual, de la Embajada de Francia, el Instituto Italiano de Cultura,
el Centro Cultural e Informativo de la Embajada del Japón, el British Council y
el Goethe-Institut, se presentarán diversos ciclos, entre los que se cuentan:
Retrospectiva
Derek Jarman
Con la colaboración del British Council, en el marco del foco británico en la temporada internacional.
Grandes clásicos restaurados del cine japonés
Con la colaboración del Centro Cultural e Informativo de la Embajada del Japón
A 50 años del Mayo francés
Con la colaboración de la Embajada de Francia
Con la colaboración del British Council, en el marco del foco británico en la temporada internacional.
Grandes clásicos restaurados del cine japonés
Con la colaboración del Centro Cultural e Informativo de la Embajada del Japón
A 50 años del Mayo francés
Con la colaboración de la Embajada de Francia
A
propósito de la visita de Gilles Jobin (Suiza) para presentar en el Teatro San
Martín Força forte, se exhibirá su película WOMB, un film
estereoscópico de danza que ofrece una experiencia artística aumentada gracias
a la tecnología 3D de alta definición.
También habrá estrenos exclusivos de películas argentinas y latinoamericanas y una nueva presentación de festival DocBuenosAires, un clásico porteño.
También habrá estrenos exclusivos de películas argentinas y latinoamericanas y una nueva presentación de festival DocBuenosAires, un clásico porteño.
Veteranos, de Lola Arias
Estreno del film en coincidencia con su obra Campo minado, a estrenarse en el Teatro San Martín. Foco británico de la temporada internacional.
La flor, de Mariano Llinás
Estreno del film en coincidencia con la retrospectiva dedicada al grupo teatral Piel de Lava en el Teatro Sarmiento.
BAFICI
El festival porteño vuelve a la Lugones
Estreno del film en coincidencia con su obra Campo minado, a estrenarse en el Teatro San Martín. Foco británico de la temporada internacional.
La flor, de Mariano Llinás
Estreno del film en coincidencia con la retrospectiva dedicada al grupo teatral Piel de Lava en el Teatro Sarmiento.
BAFICI
El festival porteño vuelve a la Lugones
Director
de programación: Luciano Monteagudo
TEATRO REGIO
TEATRO REGIO
Av.
Córdoba 6056
Teatro /
Música - Temporada internacional (España/Argentina)
Miedo
Idea
original, autoría e interpretación: Albert Pla
Dirección:
Pepe Miravete
La nueva producción de Albert Pla es Miedo. Para esta ocasión,
además de sus habituales colaboradores, cuenta con la contribución del equipo
artístico de Mondongo (Juliana Lafitte y Manuel Mendanha) una pareja de
artistas argentinos muy reconocidos en el mundo del arte. Las músicas son de
Raül Refree, músico, compositor y uno de los productores musicales españoles
más importantes.
Este texto nos propone un viaje íntimo y muy personal, desde la infancia
hasta más allá de la sepultura, por las sensaciones, las emociones y los
sentimientos que nos produce ese fantasma que vive en nuestra mente alimentado
por nuestros pensamientos, el miedo.
En el escenario se hace un repaso, en tono irónico, de los miedos de
siempre, los temores habituales, el miedo a uno mismo, los fantasmas que nos
asedian, el terror a la muerte… Una tras otra se van desgranando las canciones
como una manera de espantar o enfrentar los propios miedos. Y finalmente, la
catarsis de la risa, la liberación.
Teatro musical, concierto o recital teatralizado. En este nuevo proyecto
se abunda en la utilización de música y canciones, textos teatrales y
tecnologías vanguardistas para crear un espectáculo multimedia de poética
sorprendente.
Con el apoyo del Institut Ramón Llull.
Coordinación de producción: Pedro Páramo y Diana Glusberg
Coordinación
de producción (CTBA): Natalia Uccello
Música
original: Albert Pla y Raúl Fernández, “Refree”
Diseño
sonoro: Roc Mateu
Iluminación:
Jordi Surroca
Diseño de
arte: Mondongo
Escenografía:
CUBE
Audiovisuales:
Nueveojos
Dirección:
Pepe Miravete
Temporada
de verano/ Estreno mundial
Funciones:
de enero a marzo
Teatro
Un enemigo
del pueblo
De Henrik
Ibsen
Versión y
dirección: Lisandro Fiks
La democracia es un abuso de la
estadística
Jorge Luis Borges
“Henrik Ibsen escribió esta obra en 1882, en Noruega. Lo que más me
atrajo siempre de ella es la contradicción a la que nos somete. La actualidad
del texto original me permite trasladarla a la Argentina al día de hoy.
Un enemigo del pueblo es una obra con dos personajes
enfrentados. Son hermanos, pero pareciera que sólo los une un error
genético. Ambos son personalidades de peso en su comunidad, uno es el médico y
el otro el intendente. Surge un conflicto, un inminente problema que afecta a
la salud de todo el pueblo. Ambos diseñan la solución de manera opuesta. El
médico defiende su juramento hipocrático y sus principios inquebrantables, y el
intendente defiende los intereses del pueblo que lo votó. No hay un bueno y un
malo. Ibsen logró ponerse en la piel de cada uno y argumentar, cada cual con su
lógica, con sus valores. ¿Cuál de los dos es el verdadero enemigo del pueblo?
¿Quién tiene razón? La decisión, igualmente, la tiene la mayoría, y eso está
bien…¿o no? Eso es la democracia. La obra se plantea esta pregunta, y no da la
respuesta. Eso es lo fascinante de ella. ¿Qué pasa cuando debemos someternos a
la decisión de la mayoría? Ibsen cuestiona la integridad de las personas ante
esta situación. ¿La mayoría tiene la razón? Hoy, pasados más de 130 años desde
que el dramaturgo noruego escribió esta obra, podemos seguir buscando la
respuesta”.
Lisandro Fiks
Con Juan
Leyrado, Raúl Rizzo, Edgardo Moreira, Romina Fernandes
Coordinación
de producción (CTBA): Adrián Andrada
Dirección:
Lisandro Fiks
Funciones:
de abril a junio
Títeres
para grandes y chicos
Grupo de
Titiriteros del Teatro San Martín
Dirección
artística: Adelaida Mangani
La vuelta
al mundo en 80 mundos
(reposición)
Versión libre de Luis Rivera López sobre la novela de Julio Verne “La vuelta al mundo en 80 días”
Dirección general y puesta en escena: Sergio Rower
Versión libre de Luis Rivera López sobre la novela de Julio Verne “La vuelta al mundo en 80 días”
Dirección general y puesta en escena: Sergio Rower
“La clásica novela de aventuras de Julio Verne nos permite hacer el recorrido por diversos mundos reunidos por una peripecia llena de diversión, peligros y misterio. Cuando el protagonista dice: ‘Nunca bromeo con algo tan serio como un juego’, abre la puerta a un viaje delirante que revolucionará su vida formal y ordenada. Fogg y Passepartout se introducen en cada mundo que atraviesan, emergiendo aparentemente iguales que antes. Sin embargo, las experiencias los van cambiando, y estos verdaderos Sancho y Quijote terminarán dando una vuelta al mundo real para desembarcar, finalmente, en su propio mundo interior“.
Luis
Rivera López
Coordinación
de producción (CTBA): Galo Ontivero.
Producción
técnica (CTBA): Matías Ledesma
Asistencia
de dirección (CTBA): Ayelén Laxalt, Ana Ortiz
Asistencia artística de sonido: Matías Rower
Realización de títeres: Andrés Manzoco, Julieta Rivera López
Coreografía: Marina Svartzman
Música original y puesta de sonido: Daniel García
Diseño de iluminación: Luis Rivera López
Dirección de arte, diseño de escenografía, títeres y de vestuario: Alejandro Mateo
Asistencia artística de sonido: Matías Rower
Realización de títeres: Andrés Manzoco, Julieta Rivera López
Coreografía: Marina Svartzman
Música original y puesta de sonido: Daniel García
Diseño de iluminación: Luis Rivera López
Dirección de arte, diseño de escenografía, títeres y de vestuario: Alejandro Mateo
Dirección
de actores y titiriteros: Luis Rivera López
Dirección general y puesta en escena: Sergio Rower
Dirección general y puesta en escena: Sergio Rower
Funciones:
de mayo a agosto
Teatro
Blum
De Enrique
Santos Discépolo y Julio Porter
Dirección: Mariano Dossena
Blum, multimillonario dueño de un emporio de empresas, ve alterada su agitada y exitosa vida de hombre de negocios, por un delirante reclamo de un trío de coristas (“Las Diamonds”) de su programa de TV de jabones "Blum".
A partir de este suceso, Blum encuentra en Lucy, una de las coristas, un
motivo para dar un vuelco y darle un nuevo sentido a su vida pero, luego de una
revelación, se da cuenta de que ni con su fortuna y poderío puede comprar el
amor ni la felicidad.
Ingenio, poesía y humor mordaz son los principales condimentos que posee el texto de Discépolo y Porter, además de contar con una estructura clásica y perfecta. Blum es una comedia con gran ritmo, con algunas intervenciones musicales y con tintes del music-hall de los años ‘50. Todos sus elementos conforman un friso en el cual conviven el mundo de las finanzas, el espectáculo y el amor.
Ingenio, poesía y humor mordaz son los principales condimentos que posee el texto de Discépolo y Porter, además de contar con una estructura clásica y perfecta. Blum es una comedia con gran ritmo, con algunas intervenciones musicales y con tintes del music-hall de los años ‘50. Todos sus elementos conforman un friso en el cual conviven el mundo de las finanzas, el espectáculo y el amor.
“Blum fue estrenada en 1949, en el Teatro Presidente Alvear, por
la Compañía de Enrique Santos Discépolo. Posteriormente no hubo otra puesta de
la obra ni en el circuito oficial ni en el comercial. Última pieza que Enrique
Santos Discépolo protagonizó y escribió junto a Julio Porter, se trata de una
comedia -de gran dinamismo, humor y reflexión- dividida en dos actos que aborda
temas como la soledad del poder, el amor por conveniencia, el sentido de la
vida y otros tópicos que Enrique Santos Discépolo siempre ha tocado en sus
geniales y emblemáticos tangos. Es una obra poco conocida en la actualidad,
pero que en su época tuvo gran éxito de público y críticas, tanto por su
actuación como por su dramaturgia. Hubo incluso una película muy difundida en
los años ‘70, que se basó en esta obra, protagonizada por Darío Vittori y Nilda
Lobato, dirigida por el mismo Julio Porter.
La puesta en escena de esta versión mantendrá el marco de época (años ‘50) tanto en la escenografía y el vestuario, como en el lenguaje a través de sus giros particulares y poéticos, para lograr así mantener el espíritu discepoliano y el humor tan increíblemente actual. Se abordará también el lenguaje musical que los autores proponen para contar esta historia, donde la música y un ballet muy particular agregan una pintoresca nota de color.
Me fascina trabajar con textos clásicos, ya que estos autores nos siguen interpelando, y me parece interesante revisar escénicamente este material de un Enrique Santos Discépolo muy poco visitado, en su rol de dramaturgo, más allá de sus tangos, que son un himno argentino”.
La puesta en escena de esta versión mantendrá el marco de época (años ‘50) tanto en la escenografía y el vestuario, como en el lenguaje a través de sus giros particulares y poéticos, para lograr así mantener el espíritu discepoliano y el humor tan increíblemente actual. Se abordará también el lenguaje musical que los autores proponen para contar esta historia, donde la música y un ballet muy particular agregan una pintoresca nota de color.
Me fascina trabajar con textos clásicos, ya que estos autores nos siguen interpelando, y me parece interesante revisar escénicamente este material de un Enrique Santos Discépolo muy poco visitado, en su rol de dramaturgo, más allá de sus tangos, que son un himno argentino”.
Mariano Dossena
Coordinación
de producción (CTBA): Macarena Mauriño
Funciones:
de agosto a noviembre
Teatro -
Temporada internacional (Uruguay)
If
De Gabriel Calderón
Festejan la mentira. Se murió el abuelo y lo espera su familia en la sala velatoria. Pero ciertas cosas que deberían suceder no suceden; la familia no lo llora, los amigos y conocidos no vienen, el cuerpo no llega. La necesidad de un final digno, de un punto final humano a una vida, de cerrar bien lo que ha vivido mal, es un mandato al que todos los familiares son llamados. Pero ¿y si fueron engañados? ¿será necesario que se vuelvan engañadores?
Con Dahiana Méndez, Gustavo Saffores, Alma Claudio, Carla Moscatelli y Giselle Mota
Producción
general: Bruno Gadea
Coordinación
de producción (CTBA): Galo Ontivero
Productor
técnico (CTBA): Matías Ledesma
Ingeniero de sonido: Gustavo Martínez
Ingeniero de sonido: Gustavo Martínez
Vestuario:
Pablo Auliso
Escenografía
e iluminación: Pablo Caballero
Dirección: Gabriel Calderón
Dirección: Gabriel Calderón
Con la colaboración
del INAE (Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay) - Dirección
Nacional de Cultura
Funciones:
septiembre
Teatro
Madre
Coraje
De Bertolt
Brecht
Versión y
dirección: José María Muscari
Madre Coraje hoy
Porque Brecht siempre es hoy
Porque Brecht es existencial
Porque me intriga buscar cómo desde el ayer el autor nos dice cosas de nuestro cotidiano hoy
Creo que Madre Coraje es el símbolo de la alianza entre la guerra y el comercio, en donde la codicia lleva a pérdidas irreparables.
Todo me resuena
La guerra, la alianza y el comercio
Grandes temas de candente actualidad
Madre Coraje
es drama con potencia
Es manifiesto con poética
Madre Coraje es mítica y necesaria
Madre Coraje es una gran obra para este preciso momento
Para hablar y respirar teatro de ideas, para gritar con vehemencia verdades teatrales universales que nos movilicen la vida que hoy nos toca vivir.
José María Muscari
Coordinación
de producción (CTBA): Federico Lucini
Funciones:
de octubre a diciembre
Tïteres
para adultos
Grupo de
Titiriteros del Teatro San Martín
Dirección
artística: Adelaida Mangani
La Musa y
el Poeta
De Eduardo
Rovner
Adaptación para teatro de títeres de la ópera de Jacques Offenbach Los cuentos de Hoffmann
Adaptación para teatro de títeres de la ópera de Jacques Offenbach Los cuentos de Hoffmann
Dirección:
Adelaida Mangani
“El poeta Hoffmann es admirado por los estudiantes de Nüremberg por su
obra y por las historias de amor que relata entre danzas y diversión. Es famoso
por ser muy enamoradizo y por relatar sus amores de modo intrigante y
novelesco. Entretanto es perseguido por Lindorf, quien siempre intenta
arrebatarle a su amada de turno y sumirlo en una enorme tristeza. Sus amigos tratan
de protegerlo, pero no podrán evitar que Hoffmann cometa locuras ni que sus
amadas, Stella y Giulietta, lo abandonen y sean crueles con él.
Sin embargo, hay una presencia mágica y persistente que lo acompaña. Es
la Musa, quien busca atraer la atención de Hoffmann y hacer que abjure del
resto de sus amores, para dedicarse plenamente a ella: a la poesía. Finalmente
Hoffmann, abriendo su corazón a la Musa, surgirá de las cenizas de su dolor y
se abrazará para siempre a la Poesía. Hermosa historia que reafirma, una vez
más, que es en el arte y en su espiral dialéctica donde los seres humanos
reparan su fragmentación. Que es en el instante poético donde se alcanza la
síntesis superadora: el triunfo de la vida sobre la muerte.
Contaremos la fantasmática de la Musa y el Poeta mediante el Arte de los
Títeres. A través de su magia representaremos lo surreal y lo ambivalente de la
poesía. Será un lugar donde la pena y la alegría se compensen, en este mundo
tormentoso, al menos por un momento”.
Adelaida Mangani
Coordinación
de producción (CTBA): Galo Ontivero
Productor técnico (CTBA): Matías Ledesma
Productor técnico (CTBA): Matías Ledesma
Asistente
de dirección (CTBA): Mariana Díaz
Realización de títeres: Walter Lamas, Alejandra Farley y Katy Raggi
Música original y diseño de sonido: Santiago Chotsourián
Diseño de iluminación: Magdalena Berretta Miguez
Diseño de escenografía, títeres y vestuario: Maydée Arigós
Dirección: Adelaida Mangani
Realización de títeres: Walter Lamas, Alejandra Farley y Katy Raggi
Música original y diseño de sonido: Santiago Chotsourián
Diseño de iluminación: Magdalena Berretta Miguez
Diseño de escenografía, títeres y vestuario: Maydée Arigós
Dirección: Adelaida Mangani
Funciones:
de noviembre a diciembre
TEATRO DE LA RIBERA
Av. Pedro de Mendoza 1821
Teatro musical
Crimen
pasional
(reposición)
De Ástor
Piazzolla y Pierre Philippe
Traducción: Jorge Fondebrider
Traducción: Jorge Fondebrider
Adaptación: Marcelo Lombardero,
Guillermo Fernández y Jorge Fondebrider
Dirección general: Marcelo
Lombardero
Crimen pasional o la “Ópera de un solo hombre”
–según la denominación hoy clásica de esta obra– es la pieza de teatro musical
que compuso Ástor Piazzolla en 1982 para el cantante y compositor corso Jean
Guidoni (1951), que en 1975 había hecho su aparición en el firmamento de la
canción y el varieté francés. Un ciclo de 13 canciones, parcialmente inspiradas
en algunos aspectos de la vida y la muerte de Eugen Weidmann, asesino serial
alemán que en los años previos al inicio de la Segunda Guerra Mundial cometió
una serie de crímenes atroces, originados en secuestros extorsivos. La atención
brindada por la prensa de la época al proceso judicial y el escándalo que
siguió a la ejecución de Weidmann –que incluyó a una multitud decidida a mojar
sus pañuelos en su sangre– hicieron de él el último guillotinado en público de
la historia francesa.
Con
Guillermo Fernández
Músicos:
Cristian Zárate Sexteto: Pablo Agri (violín), Nicolás Enrich (bandoneón),
Esteban Falabella (guitarra), Roberto Tormo (contrabajo), José Luis Colzani
(batería), Cristian Zárate (piano)
Bailarines:
Florencia Segura, Manuco Firmani
Coordinación de producción (CTBA):
Nahuel Carfi, Lourdes Maro
Asistencia de escenografía: Lucía Garramuno
Asistente de dirección (CTBA): Tamara Gutiérrez, Sofía Palomino
Coreografía: Ignacio González Cano
Iluminación: Horacio Efrón
Escenografía: Noelia Svoboda
Vestuario: Luciana Gutman
Arreglos: Leonardo Sánchez, Cristian Zárate
Diseño de sonido: Leonardo Leverone
Dirección musical: Cristian Zárate
Dirección general: Marcelo Lombardero
Asistencia de escenografía: Lucía Garramuno
Asistente de dirección (CTBA): Tamara Gutiérrez, Sofía Palomino
Coreografía: Ignacio González Cano
Iluminación: Horacio Efrón
Escenografía: Noelia Svoboda
Vestuario: Luciana Gutman
Arreglos: Leonardo Sánchez, Cristian Zárate
Diseño de sonido: Leonardo Leverone
Dirección musical: Cristian Zárate
Dirección general: Marcelo Lombardero
Reposición: Michelle Krymer
Temporada
de verano
Funciones:
de febrero a marzo
Teatro-Danza-Música-Artes
visuales
Striptease
El arte siempre recurrió al desnudo. Hasta podría decirse que no hay arte sin desnudos. No obstante el striptease nunca obtuvo un reconocimiento pleno como género artístico.
Cuatro importantes creadores abordarán una clase de espectáculo tan
antiguo como marginal, tan popular y al mismo tiempo despreciado. Alfredo
Arias, Maricel Alvarez, Pablo Rotemberg y Florencia Vecino fueron convocados
por el Teatro de la Ribera para realizar cada uno de ellos un número de
striptease, con interludios musicales de Carmen Baliero.
El secreto del striptease sin embargo no es el del desnudo sino
el del desnudarse. No se trata tanto del punto de llegada como de la manera en
que se llega allí. Al fin y al cabo para mantener el deseo es necesario que
nunca se cumpla del todo. El striptease es el arte de la demora, de la
postergación. El artista establece un juego de ocultamientos y de
provocaciones; todo lleva hacia el desnudo pero se sabe que el desnudo será el
final del juego.
Clovis al desnudo
Clovis al desnudo
Dirección:
Alfredo Arias
Bailarina
/ Actriz: Mariela Anchipi
Cantante /
Actriz: Fanny Bianco
Ecdisis (Muda)
Concepto,
dramaturgia escénica y dirección: Maricel Alvarez
Movimiento,
performer, styling: Ulrico Eguizabal.
Visuales:
Leandro Ibarra, Nico Dardano.
Asesoramiento
en musicalización: Vanessa del Barco.
Asesoramiento
dramatúrgico: Ezequiel Steinman
Striptease
3
Dirección: Florencia Vecino
Striptease 4
Dirección: Pablo Rotemberg
Coordinación de producción (CTBA): Natalia Uccello
Dirección: Florencia Vecino
Striptease 4
Dirección: Pablo Rotemberg
Coordinación de producción (CTBA): Natalia Uccello
Interludios
musicales: Carmen Baliero
Curaduría:
Diana Theocharidis
Funciones:
de abril a julio
Teatro musical
Divino
amore
De Alfredo
Arias y René de Ceccatty
Dirección:
Alfredo Arias
“Roma: Al final de los años ‘70 una compañía teatral había encontrado refugio en el sótano de una iglesia -Borgo Santo Spirito- a pocos pasos del Vaticano. Se trataba de la compañía Doriglia-Palmi. El Sr. Palmi muerto, su esposa Bianca Doriglia y su hija Ana Maria Palmi continuaron su sacrificado camino teatral presentando delante de un público despiadado una serie de intensos melodramas religiosos. El escenario minúsculo que los albergaba no podía contener correctamente los palacios, grutas, explosiones de minas, ascensiones o naufragios que sus espectáculos proponían a una desalmada audiencia. El público estaba allí agazapado esperando festejar a carcajadas una de las habituales y torpes peripecias de estos santos hijos de Thalia. Estas inapropiadas risotadas habían impulsado a los misioneros del teatro a posicionar un proyector mata risa que se encendía iluminando sorpresivamente al público cuando éste se reía en un momento imprevisto.
Los místicos cómicos imperturbables proponían obras como Los Hijos de
Nadie, melodrama en cuarenta cuadros con explosión de la mina. La mina era
una montañita de cartón y la explosión era un desgraciado cohete que arrojaban
de entre bambalinas mientras un accidentado personaje con vendas ensangrentadas
se tiraba aplastando el montículo de papel madera.
Las monjitas de la asistencia junto a los huerfanitos reprimían sus
risas mientras un público definitivamente sádico disfrutaba alborotado de las
precarias soluciones escénicas. Los toilettes de tan digno teatro eran en
cambio frecuentados por un grupo de silenciosos feligreses decididamente
sodomitas. Este destartalado barco a la deriva me procuró grandes emociones
teatrales.
Divino amore es una fantasía en torno a la audacia de esta gente que, sin temerle al
ridículo, desafiaban santamente las leyes de la decencia teatral. Es así como
desfilaron frente a mi azorada mirada piezas tales como: Salomé y la
danza de los siete velos ejecutada entre bambalinas, Santa Bárbara y el
derrumbe de la torre pintada sobre una tela arrugada, o Santa Bernardette,
sus ovejas y la sorpresa de la Virgen en la gruta que casi la mata de un
susto”.
Alfredo Arias
Con Carlos
Casella, María Merlino, Marcos Montes y Alejandra Radano.
Coordinación
de producción (CTBA): Federico Lucini
Arreglos
musicales: Diego Vila
Vestuario: Pablo Ramírez
Espacio escénico y luces: Gonzalo Córdova
Vestuario: Pablo Ramírez
Espacio escénico y luces: Gonzalo Córdova
Dirección:
Alfredo Arias
Funciones:
de agosto a diciembre
Danza
Danza al
borde
El ciclo Danza al borde pone un acento
especial sobre la relación entre la danza contemporánea con otros lenguajes
artísticos. La idea consiste en estimular los encuentros con creadores de
distintas disciplinas, propiciando el contacto y el diálogo entre universos a
veces muy distantes entre sí.
El Espacio de los ventanales, situado en el
hall del primer piso del Teatro de la Ribera, estará dedicado a obras de nuevos
coreógrafos que exploran este espacio no convencional.
Tres jóvenes coreógrafos realizarán residencias de creación que darán como resultado la presentación de sus obras durante la temporada 2018.
Tres jóvenes coreógrafos realizarán residencias de creación que darán como resultado la presentación de sus obras durante la temporada 2018.
Asimismo se desarrollará un programa de danza sobre
músicas de compositores argentinos contemporáneos y la segunda edición de Cuerpo
a cuerpo, con encargos a coreógrafos y compositores, en colaboración con el
Ensamble Tropi y la Compañía de Danza de la UNA y con el Ciclo de Música
Contemporánea del CTBA.
En este ciclo se presentarán también obras de distintas compañías, tanto independientes como pertenecientes a espacios institucionales.
En este ciclo se presentarán también obras de distintas compañías, tanto independientes como pertenecientes a espacios institucionales.
Curaduría: Diana Theocharidis
Sábados y domingos de abril a noviembre
TEATRO SARMIENTO
Av. Sarmiento 2715
Teatro
Arde
brillante en los bosques de la noche
(reposición)
De Mariano Pensotti
Arde brillante en los bosques de la noche se enfoca en el centenario de la Revolución rusa y algunas de sus resonancias artísticas y políticas en el mundo contemporáneo. Toma como fuente de inspiración la figura de Alexandra Kollontai, revolucionaria y feminista soviética, sus conceptos sobre la libertad, el cuerpo, la sexualidad y cómo el capitalismo construye una identidad femenina específica.
Arde brillante… cuenta las historias de tres mujeres actuales cuyas experiencias están
atravesadas por la Revolución rusa de maneras muy diferentes.
Está narrada a través de tres formatos distintos para cada una de sus
partes (marionetas, teatro y cine), poniendo en cuestión el cuerpo y sus
representaciones y la dicotomía entre ser espectador o participante de
la Historia.
Es una obra de marionetas que un día van a ver una obra de teatro cuyos
personajes serán espectadores de una película. Como una gran muñeca rusa, hecha
de ficciones dentro de ficciones que se modifican unas a otras.
A un siglo de la Revolución rusa, tomando algunas ideas formales de la
vanguardia soviética y asumiendo que en los últimos años el feminismo es uno de
los movimientos más lúcidos, activos y revolucionarios en la Argentina y el
mundo, la obra intenta recuperar la aún vigente pregunta de Lenin frente a lo
político: “¿Qué hacer?”
Es difícil no pensar que muchos de los problemas que la mayor parte de
la población mundial enfrentaba cien años atrás no son tan diferentes de los
que enfrenta ahora. Puede ser una simplificación, pero los conflictos en
relación a la igualdad, la distribución de la riqueza, los derechos de los
trabajadores y la lucha contra nuevas formas de explotación parecen tan
relevantes como lo eran en 1917.
Con Susana
Pampín, Laura López Moyano, Inés Efrón, Esteban Bigliardi, Patricio Aramburu
Coordinación de producción (CTBA): Adrián Andrada
Asistencia de producción (CTBA): Facundo Savarino
Asistencia de escenario: Malena Juanatey, Tatiana Mladineo
Asistencia de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez, Tatiana Mladineo, Luciana Peralta
Asistencia de dirección (CTBA): Fabián Barbosa
Asistencia artística: Juan Schnitman
Producción artística: Florencia Wasser / Grupo Marea
Producción técnica: Ángel Ariel Porro
Coordinación de producción (CTBA): Adrián Andrada
Asistencia de producción (CTBA): Facundo Savarino
Asistencia de escenario: Malena Juanatey, Tatiana Mladineo
Asistencia de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez, Tatiana Mladineo, Luciana Peralta
Asistencia de dirección (CTBA): Fabián Barbosa
Asistencia artística: Juan Schnitman
Producción artística: Florencia Wasser / Grupo Marea
Producción técnica: Ángel Ariel Porro
Realización
de marionetas: Román Lamas
Realización rostros marionetas: Marcos Berta
Música: Diego Vainer
Escenografía y vestuario: Mariana Tirantte
Realización rostros marionetas: Marcos Berta
Música: Diego Vainer
Escenografía y vestuario: Mariana Tirantte
Dirección:
Mariano Pensotti
Temporada
de verano
Funciones:
de enero a febrero
ARTISTA EN RESIDENCIA
A través
del programa Artista en Residencia, el CTBA invita a un artista o grupo
de artistas para desplegar y profundizar un proyecto a largo plazo. Esta
propuesta se realiza anualmente y el proceso se compone de tres partes: una
breve retrospectiva, un seminario para compartir el trabajo con la comunidad
artística y, finalmente, producir un estreno. El programa se inauguró en la
Temporada 2017 con el Proyecto Pruebas de la Compañía Buenos Aires
Escénica y continúa en 2018 con la retrospectiva y estreno del colectivo Piel
de Lava.
Teatro
Retrospectiva Piel de Lava
Colores
verdaderos / Neblina / Tren / Museo
Sobre Piel de Lava
Sobre Piel de Lava
La compañía Piel de Lava se formó en 2003 y desde entonces trabaja ininterrumpidamente en procesos de creación colectiva. Han estrenado cuatro obras: Colores verdaderos (2003), Neblina (2006), Tren (2010) y Museo (2014).
Durante 2018 estas obras volverán a ofrecerse en el marco de una retrospectiva del grupo en el Teatro Sarmiento. Todos estos trabajos fueron construidos desde procesos de exploración sobre los mecanismos actorales y la dramaturgia grupal. A través de ellos, Piel de Lava ha ido encontrando un método propio en el que simultáneamente confluyen la actuación, la dramaturgia grupal y la dirección teatral. Desde ahí se preguntan “¿Cómo será hacer todas las obras juntas? ¿Cómo resonarán en nosotras hoy esos materiales que creamos hace 3, 7, 10 ó 14 años? Estamos regidas por el entusiasmo que nos propone esta nueva investigación. Los montajes serán fieles testigos de estas respuestas que buscamos con infinita alegría”.
El grupo Piel de Lava está integrado por Elisa Carricajo, Valeria
Correa, Laura Paredes y Pilar Gamboa. En sus últimos trabajos, Tren y Museo,
sumaron la colaboración de Laura Fernández.
Todas sus obras fueron publicadas por la Editorial Entropía en 2015.
Las cuatro obras de la Retrospectiva serán interpretadas por la Compañía Piel de Lava (Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa y Laura Paredes)
Coordinación
de producción (CTBA): Mariana Mitre
Asistencia
de iluminación: Adrián Grimozzi
Asistencia de escenografía: Estefanía Bonessa
Diseño sonoro: Jorge Grela
Vestuario: María Laxague Viñuela
Escenografía e iluminación: Matías Sendón
Dramaturgia y dirección: Piel de Lava y Laura Fernández
Funciones: de abril a junio
Asistencia de escenografía: Estefanía Bonessa
Diseño sonoro: Jorge Grela
Vestuario: María Laxague Viñuela
Escenografía e iluminación: Matías Sendón
Dramaturgia y dirección: Piel de Lava y Laura Fernández
Funciones: de abril a junio
Workshop
Sobre la creación grupal
El grupo Piel de Lava dictará un workshop de ocho encuentros sobre la creación grupal. Estará dirigido especialmente a grupos de actores, bailarines, músicos y performers. Los grupos podrán ser preexistentes, crearse para participar del workshop o formarse entre los asistentes.
Abril
Teatro
Petróleo
Dramaturgia
y dirección: Piel de Lava y Laura Fernández
Yacimiento petrolero en la Patagonia.
Cuatro hombres conviven en un trailer y extraen, a unos pocos kilómetros
de allí, petróleo de un pozo que casi está vacío.
El viento es ensordecedor.
Adentro el tiempo libre se cubre de polvo, de bromas pesadas, de desafíos
físicos.
Afuera, la piedra se fractura para extraer la última gota, lo poco que queda.
En su quinta obra, Piel de Lava investiga la posibilidad de habitar personajes masculinos, en diálogo constante con la capacidad de generar ficción a partir de ciertos procedimientos grupales y también como una forma de indagar sobre la construcción del género y los estereotipos.
Afuera, la piedra se fractura para extraer la última gota, lo poco que queda.
En su quinta obra, Piel de Lava investiga la posibilidad de habitar personajes masculinos, en diálogo constante con la capacidad de generar ficción a partir de ciertos procedimientos grupales y también como una forma de indagar sobre la construcción del género y los estereotipos.
Con
Compañía Piel de Lava (Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa,
Laura Paredes)
Laura Paredes)
Coordinación
de producción (CTBA): Mariana Mitre
Escenografía:
Rodrigo González Garillo
Iluminación: Matías Sendón
Dirección: Piel de Lava y Laura Fernández
Iluminación: Matías Sendón
Dirección: Piel de Lava y Laura Fernández
Funciones: de julio a septiembre
Títeres para
grandes y chicos
Grupo de
Titiriteros del Teatro San Martín
Dirección
artística: Adelaida Mangani
La
biblioteca de los libros desordenados
De Nelly Scarpitto, Mariana Trajtenberg, Claudia Villalba, Daniel
Scarpitto y Julieta Alessi
Dirección: Román Lamas
Texto ganador del I Premio “Ariel Bufano” en Dramaturgia para Teatro de Títeres y Objetos.
La biblioteca de los libros desordenados esconde entre viejos estantes y libros polvorientos al extraordinario universo de los Caldericos. Allí vive Pino, un pequeño Calderico, alegre y travieso, extraño y diferente. Pino tiene una cola con flores que provoca la burla y el desconcierto entre los suyos. Emprender un viaje parece ser la solución. Un viaje largo hasta que caiga la última flor.
Pino inicia su travesía junto a Fratelo, su mejor amigo, y su mascota
Rechulele.
Surcan el cielo en un ave multicolor, navegan el mar Azul en un barco de papel y conocen a Eco, el guardián del bosque de los fósforos. Pero la cola con flores sigue siendo un problema.
Surcan el cielo en un ave multicolor, navegan el mar Azul en un barco de papel y conocen a Eco, el guardián del bosque de los fósforos. Pero la cola con flores sigue siendo un problema.
Una noche de luna llena Pino, muy triste, conversa con ella: “Pequeño,
un día tu cola va a ser lo más radiante y generoso”. Pero Pino no comprende.
Sin encontrar respuestas, el pequeño Pino y sus compañeros de
viaje emprenden el camino a casa. A lo lejos divisan que una fina capa de
ceniza gris ha cambiado el mundo de los Caldericos transformando el paisaje en
desolación y tristeza.
A su regreso, Pino descubrirá la razón de su hermosa y generosa cola con
flores.
La biblioteca de los libros desordenados posa la mirada sobre los “diferentes”, los “extraños” y sobre lo singular que a cada uno lo hace ser lo que es.
La biblioteca de los libros desordenados posa la mirada sobre los “diferentes”, los “extraños” y sobre lo singular que a cada uno lo hace ser lo que es.
Coordinación de producción (CTBA): Galo Ontivero
Asistencia de dirección (CTBA): Ayelén Laxalt
Dirección: Román Lamas
Funciones:
julio
Teatro
Animal
romántico
Dramaturgia
y dirección: Agostina Luz López
La obra parte de la observación de una pintora en la vida real llamada
Denise Groesman. Sus cuadros y sus procesos artísticos fueron disparadores para
empezar a pensar esta creación.
Miranda es una pintora joven y nos encontramos en su taller de arte. Es
un espacio blanco rodeado de cuadros, algunos están en proceso y otros
finalizados. Los cuadros en general reproducen escenas que tienen un tinte
teatral. Tienen colores fuertes y estridentes. Lo que prevalece son
autorretratos de la pintora en distintas edades. Entrar a su taller es como
verla reproducida al infinito, como si fuera un espacio en donde hay todo el
tiempo semejanzas, espejos. Además de todos estos cuadros, hay una pantalla del
tamaño de los cuadros que funciona como una pintura en movimiento.
En este espacio aparece su padre; los mundos de Miranda y su padre se
van conectando a lo largo de la obra ya sea por tener lógicas radicalmente
opuestas o al contrario, por descubrir puntos donde pueden encontrar sus
similitudes. El padre descubre por primera vez las pinturas de su hija, y una fascinación
hacia ellas lo conmueve, tanto que empieza a soñar que vive en las creaciones
de su hija y eso trastorna ambos mundos.
Miranda también tiene sueños, que aparecen en esa pantalla que a su vez
funciona como cuadro. En estos sueños siempre aparece una chica que vive en la
naturaleza, que ella bautiza como hippie. A su vez, acompaña a su proceso
artístico una presencia ambigua, un joven de dieciocho años, que empieza a
intervenir en sus pinturas.
A través de la pintura, la obra despliega sus preguntas sacando al
exterior el oscuro inidentificable de Miranda, su interioridad, llamando o
evocando su intimidad. Son preguntas sobre la creación, sobre la pintura, sobre
el retrato, sobre la identidad, sobre cómo el interior y el exterior se enlazan
haciéndose uno, sobre la relación entre padres e hijas y sus distintos espacios
de trabajo y cómo con distintas formas de vivir hay puntos de encuentro y
puntos de fuga, cómo el amor se despliega más allá del género, qué es vivir un
proceso artístico y cuáles son los pensamientos que nos acompañan en ese
trance, qué es ser una joven pintora o una joven artista hoy, en este mundo
contemporáneo, y cómo el sueño y la realidad a veces son imposibles de
distinguir, tal vez construyendo un tercer plano más extraño, raro y
misterioso.
Coordinación
de producción (CTBA): Macarena Mauriño
Funciones:
de septiembre a diciembre
OTRAS ÁREAS Y ACTIVIDADES DEL
COMPLEJO TEATRAL
Fundación Amigos del Teatro San
Martín
La
Fundación Amigos del Teatro San Martín -presidida por Eva Thesleff de Soldati- realiza
obras en beneficio de los teatros que conforman el CTBA.
Para 2018
se propone realizar la primera etapa del proyecto “Teatros Accesibles”, que
fue presentado a Mecenazgo y tiene como objetivo
que los teatros del CTBA sean accesibles edilicia y comunicacionalmente
para todas las personas con discapacidad.
Además, continuará con el programa de becas a jóvenes bailarines, la
Escuela de Oficios Teatrales y la difusión y preservación de la Colección
Tesoro del Vestuario.
Taller de
Dramaturgia en Latinoamérica Royal Court Theatre
Última etapa del programa de Talleres de Dramaturgia guiado por
profesionales y dramaturgos del Royal Court Theatre de Londres. Quince jóvenes
dramaturgos de Chile, Argentina y Uruguay participan de este espacio creativo y
formativo, que tiene dos años de duración, en torno a la escritura teatral. Con
el apoyo del British Council, organizado por el Complejo Teatral de la Ciudad
de Buenos Aires en Argentina, la Fundación Teatro a Mil en Chile y el Instituto
Nacional de Artes Escénicas de Uruguay.
Dramaturgos participantes por Argentina: Maruja Bustamante, Alfredo
Staffolani, María Laura Santos, Fabián Díaz y Giulliana Kiersz.
Coordinación por Argentina: Verónica Parizzi Doynel.
Relaciones con la comunidad
Nuevos públicos e intercambios
con la comunidad
Es un área
que se ocupa de la captación y formación de nuevos públicos, a través de
propuestas estratégicas: la misión es convocar, acercar y cumplir una función
pedagógica con niñ@s y jóvenes, promoviéndoles el hábito de asistir al teatro.
La experiencia de concurrir al teatro acompañada de ciertas herramientas que es
fundamental que una institución pública ofrezca, posibilita un creciente
disfrute a lo largo de los años.
El objetivo es que se establezca una relación fluida para que los nuevos públicos no sólo asistan a las funciones, sino que trabajen crítica y analíticamente alrededor de los espectáculos; que se genere un intercambio continuo y un vínculo más duradero entre el Teatro y la comunidad de la que forma parte. Para alcanzar dicho objetivo las acciones a desarrollar son, entre otras, las siguientes: facilitar el acceso de estudiantes de todos los niveles educativos a los espectáculos del CTBA, así como a niñ@s y jóvenes provenientes de otras instituciones (clubes, escuelas de teatro, centros culturales); aportar cuadernos pedagógicos o fichas para clase para los alumnos y los docentes de todos los niveles; organizar encuentros entre los directores/dramaturgos/actores/equipo creativo de los espectáculos y los alumnos de las diversas instituciones, así como charlas en los halles y en las salas; coordinar con grupos de estudiantes la asistencia a ensayos para realizar un seguimiento del proceso creativo de los espectáculos; proponer a los nuevos públicos que realicen devoluciones críticas, opiniones e impresiones sobre las producciones del CTBA, con la posibilidad de ser visibilizadas en nuestras publicaciones.
El objetivo es que se establezca una relación fluida para que los nuevos públicos no sólo asistan a las funciones, sino que trabajen crítica y analíticamente alrededor de los espectáculos; que se genere un intercambio continuo y un vínculo más duradero entre el Teatro y la comunidad de la que forma parte. Para alcanzar dicho objetivo las acciones a desarrollar son, entre otras, las siguientes: facilitar el acceso de estudiantes de todos los niveles educativos a los espectáculos del CTBA, así como a niñ@s y jóvenes provenientes de otras instituciones (clubes, escuelas de teatro, centros culturales); aportar cuadernos pedagógicos o fichas para clase para los alumnos y los docentes de todos los niveles; organizar encuentros entre los directores/dramaturgos/actores/equipo creativo de los espectáculos y los alumnos de las diversas instituciones, así como charlas en los halles y en las salas; coordinar con grupos de estudiantes la asistencia a ensayos para realizar un seguimiento del proceso creativo de los espectáculos; proponer a los nuevos públicos que realicen devoluciones críticas, opiniones e impresiones sobre las producciones del CTBA, con la posibilidad de ser visibilizadas en nuestras publicaciones.
Asimismo,
entre los objetivos del área, se encuentra el de generar un mayor involucramiento
de esos nuevos públicos, permitiéndoles “apropiarse” también de ciertos
espacios, en general, confinados exclusivamente a profesionales consagrados. En
tanto el Estado es un actor clave en el acceso a la cultura, el CTBA asume,
como institución oficial, su parte en la responsabilidad de la educación
artística.
Mail de contacto: nuevospublicos@complejoteatral.gob.ar
Acción externa
El
Complejo Teatral de Buenos Aires desarrolla un programa con funciones
especiales en horarios vespertinos y entradas a bajo costo en todas sus salas,
destinado a alumnos del nivel primario y secundario. El Departamento de Acción
Externa gestiona además entradas para grupos a partir de 20 personas. Para
mayor información comunicarse telefónicamente al 4375-5021 y/o por email a accionexterna@complejoteatral.gob.ar
Centro de Documentación
Ubicado en
el 4º piso del Teatro San Martín, reúne el patrimonio de archivo, biblioteca
teatral, hemeroteca y videoteca.
En 2018 continuará
con las tareas de clasificación, indización y catalogación del material en
diversos soportes, permitiendo la visibilización del mismo. Se realizarán
tareas de prevención y conservación sobre este material de gran valor.
Se
proseguirá además con la labor de digitalización de los fondos fotográficos de
negativos de la institución y de documentos significativos como bocetos de
vestuario y escenografía.
La existencia de un Salón de Usos Múltiples permitirá la realización de seminarios, conferencias, exposiciones.
La existencia de un Salón de Usos Múltiples permitirá la realización de seminarios, conferencias, exposiciones.
Se buscará
asimismo nuevo material a través de pesquisa y solicitud de donaciones.
Centro de Vestuario
Inaugurado
en 2015, el Centro de Vestuario del CTBA atesora más de 30 mil prendas de valor
patrimonial, no sólo por su confección y factura, sino por la importancia de
los artistas que las han diseñado y de los actores y actrices que las
utilizaron. Este espacio de 600 metros cuadrados ubicado en Zabala 3654 fue
diseñado y construido siguiendo los estándares internacionales para la preservación
de textiles, con el fin de garantizar las condiciones óptimas para el resguardo
y la seguridad de las prendas. Además, para organizar, clasificar y documentar
las piezas que integran la colección, se desarrolló una aplicación informática
(XIRGU), que proporciona información confiable sobre cada prenda y posibilita
su administración desde el momento de su confección hasta su almacenaje.
Formación y perfeccionamiento
Formación y perfeccionamiento
Taller- Escuela
de Titiriteros “Ariel Bufano”
Dirección: Adelaida Mangani
El Taller-Escuela
de Titiriteros “Ariel Bufano” fue creada hace treinta años con el objetivo de
formar profesionales del Arte de Teatro de Títeres y nutrir al Grupo de
Titiriteros del San Martín que había sido creado diez años antes. Fue pionera
en la Ciudad de Buenos Aires y la única en su género en el país. Ingresan
gratuitamente alrededor de veinte alumnos cada tres años.
La Escuela
desarrolla una metodología que forma profesionales en el Teatro de Títeres y
Objetos, integrando el estudio de todas las artes que confluyen para constituir
un corpus teórico-práctico que permita al estudiante obtener la capacitación y
el perfeccionamiento óptimo para desempeñarse en todas las áreas de la creación
teatral. Los egresados del Taller tienen, cuando se producen vacantes, la
oportunidad de ingresar al Grupo de Titiriteros del Complejo Teatral de la
Ciudad de Buenos Aires.
En la
actualidad es la más importante escuela abocada a esta disciplina de
Latinoamérica y posee enorme prestigio entre los especialistas de Europa y de
Estados Unidos.
Taller de Danza Contemporánea
del Teatro San Martín
Dirección: Norma Binaghi
El Taller
de Danza Contemporánea realizará su actividad anual del ciclo lectivo 2018 de
febrero a diciembre, manteniendo su actividad académica de clases y muestras de
cierre de cuatrimestre y finales, como así también práctica escénica en los
diferentes Centros Culturales de la ciudad.
Como
aporte al Ciclo/18 brindará para la capacitación y el desarrollo artístico dos
nuevos proyectos: un Área de Residencias y un 4° año Escénico opcional.
Área de
residencias: Se invitará a egresados para que puedan desarrollar propuestas
escénicas en espacios no convencionales, como el Espacio de los ventanales
dentro del Teatro de la Ribera. Los egresados contarán con un tiempo para
efectuar sus investigaciones, producir sus obras y presentarlas.
El 4°
año Escénico tendrá carácter opcional de investigación y exploración. Será
una plataforma de desarrollo profesional, donde un grupo de egresados
participará de procesos creativos, ensayos y funciones utilizando el Hall
Central del Teatro San Martín desde una mirada más experimental.
Escuela de Oficios Teatrales
del Complejo Teatral de Buenos Aires
La Escuela
de Oficios surgió como una iniciativa de la Fundación Amigos del Teatro San
Martín para promover la capacitación y la actualización de profesionales y
técnicos del espectáculo en vivo, y con el objetivo de proteger y sistematizar
los saberes artesanales del oficio teatral.
Los
oficios y las técnicas teatrales deben ser considerados como bienes del
patrimonio intangible. Y su preservación, continuidad y actualización
permanente son los desafíos que enfrentan estas disciplinas.
Estos
conocimientos se han transmitido tradicionalmente de manera informal entre
maestro y aprendiz en el puesto de trabajo. Pero la creciente complejidad de
los métodos de enseñanza, la incorporación de tecnologías y la aparición de
nuevos contenidos, hicieron necesarios la superación del traspaso de saberes de
manera oral y la adquisición de niveles de formación con bases sólidas,
transferidos a través de métodos adecuados de enseñanza, sumados al
adiestramiento en taller, y organizados en forma sistemática.
La Escuela de Oficios está destinada en principio a técnicos del Complejo Teatral de Buenos Aires. Próximamente se abrirá a personal del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, y el proyecto es que con el tiempo -a través de un convenio con el Ministerio de Educación del GCBA- se haga extensivo a todos los habitantes de CABA interesados en formarse en los diversos oficios teatrales.
La Escuela de Oficios está destinada en principio a técnicos del Complejo Teatral de Buenos Aires. Próximamente se abrirá a personal del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, y el proyecto es que con el tiempo -a través de un convenio con el Ministerio de Educación del GCBA- se haga extensivo a todos los habitantes de CABA interesados en formarse en los diversos oficios teatrales.
En la
etapa inicial se están desarrollando cursos de formación de técnicos de
sastrería y zapatería con conocimientos en realización de vestuario escénico:
el Taller de Sastrería -a cargo de Aníbal Duarte-, y el Taller de Zapatería -a
cargo de Fernando López Bizcaíno- .
El CTBA y los medios
Escenarios de Buenos Aires
El teatro
es un hecho presente, único e irrepetible. "Escenarios de Buenos
Aires", el programa del CTBA, nos guarda para siempre fragmentos de ese
"presente" y la manera en que sus protagonistas crean, sienten, hacen
teatro. En su 16º temporada, volverá a cubrir ensayos, lecturas de textos, la
actividad de los talleres de escenografía y sastrería, de las salas de
maquillaje, así como la de los escenarios en pleno montaje, lo que ocurre en
camarines, y todo lo que hace a la construcción de cada uno de los
espectáculos. El programa acompañará al elenco desde el primer ensayo hasta el
estreno.
Realizado
por el Departamento de Audiovisuales, registra en formato documental el proceso
integral de producción desde 2001, año en que comenzó a salir al aire.
Horarios
de emisión: Estreno: martes a las 15 hs. Repeticiones: Martes a las 19 y 23 hs.
/ Miércoles a las 3, 7 y 11 hs / Sábado a las 12 y 19 hs / Domingo a las 13.30
y 20.30 hs.
En 2006 recibió los premios Fund TV, en la categoría Mejor Programa Espectáculo/Artístico, y Martín Fierro, en el rubro Mejor Programa Cultural/ Educativo de cable. En 2009 y en 2015 obtuvo el galardón de la Asociación Argentina de Televisión por Cable (ATVC) en la categoría Mejor Documental y Programa Cultural, respectivamente. En 2016 recibió una Mención Especial de los Premios ATVC en el rubro Programa Cultural, por sus emisiones durante 2015 en Canal (á).
En 2006 recibió los premios Fund TV, en la categoría Mejor Programa Espectáculo/Artístico, y Martín Fierro, en el rubro Mejor Programa Cultural/ Educativo de cable. En 2009 y en 2015 obtuvo el galardón de la Asociación Argentina de Televisión por Cable (ATVC) en la categoría Mejor Documental y Programa Cultural, respectivamente. En 2016 recibió una Mención Especial de los Premios ATVC en el rubro Programa Cultural, por sus emisiones durante 2015 en Canal (á).
El
programa también continuará con su canal de YouTube https://www.youtube.com/escBuenosAires, donde
se pueden consultar emisiones de otros años, trailers de obras, notas o
entrevistas a personalidades destacadas, y promoción diaria de todos los
espectáculos del CTBA.
Revista Teatro Digital
TEATRO propone un acercamiento diferente a los espectáculos que se
presentan en las salas del CTBA. Además, la revista aprovecha las ventajas del
entorno digital para proponer un nuevo espacio de divulgación, que incorpora
materiales como audios y videos de obras, ensayos y entrevistas. De este modo,
el Complejo Teatral de Buenos Aires afirma su vocación de fortalecer la
comunicación con su comunidad y también con quienes viven en otras ciudades de
la Argentina y el mundo.
Medios digitales
Se ha renovado la web www.complejoteatral.gob.ar para hacer más completa la experiencia de nuestros
espectadores.
Además, pueden encontrarnos,
compartir y comentar en:
Twitter: elSanMartinCTBA
Instagram: elSanMartinCTBA
Facebook: TeatroSanMartinCTBA
Youtube: TeatroSanMartinCTBA
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Instagram: elSanMartinCTBA
Facebook: TeatroSanMartinCTBA
Youtube: TeatroSanMartinCTBA
AUTORIDADES GOBIERNO DE LA CIUDAD AUTÓNOMA DE BUENOS AIRES
Jefe de Gobierno
Horacio Rodríguez Larreta
Vicejefe de Gobierno
Diego Santilli
Jefe de Gabinete
Felipe Miguel
MINISTERIO DE CULTURA
Ministro de Cultura
Ángel Mahler
COMPLEJO TEATRAL DE BUENOS AIRES
Director General y Artístico
Jorge Telerman
Directora Artística Teatro Regio
Eva Halac
Directora Artística Teatro de la Ribera
Diana Theocharidis
Directora Artística Teatro Sarmiento
Vivi Tellas
Director de Programación Sala Leopoldo Lugones
Luciano Monteagudo
Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín
Directora Andrea Chinetti
Codirector Miguel Ángel Elías
Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín
Directora Adelaida Mangani
Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín
Directora Norma Binaghi
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